「吹奏楽では100本のクレヨンが入った大きな箱で遊ぶことができる」作曲家インタビュー：マイケル・マーコウスキー氏（Michael Markowski） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

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[English is below Japanese]

アメリカの作曲家マイケル・マーコウスキー氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

楽譜はフランク・ティケリの作品を多く出版している「マンハッタン・ビーチ」からも出版されていますが、最近は自身の「Markowski Creative」からの出版が多いようです。

日本の吹奏楽ではまだあまり馴染み深い作曲家ではないかもしれませんが、アメリカでは現在の重要な作曲家の一人と言えるでしょう。日本でも注目していただきたい作曲家です。役に立つお話があると思いますので、ぜひご一読ください。

1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私はアリゾナで育ち、小学5年生のときに同調圧力からバンドに入りました。当時2人の親友が学校のバンドに入りたがっていて、私は強い「Fear Of Missing Out（取り残されたりすることへの不安）」に屈しました。それで家に帰り、母にトロンボーンを習いたいと言いました。母はすぐに、「もっとキィの多い楽器がいいんじゃない？」と聞いてきました。私は母が言うとおりだと思ったし、当時はトロンボーンでどうやって複数の音を出せるのか見当もつきませんでした。だから代わりにサクソフォーンを選びました。

それから数年後、私はコンピューターで小品を作曲する実験を始めました。私には昔から、何かを作りたいという欲求があったのだと思います。昔は絵を描くのが好きで、いつかディズニーのアニメーターになろうとさえ思っていました。詩を書くのも好きでした。書くことよりも、自作の詩集を出版するほうが好きだったですが。大人になるにつれて、高校の友人たちと短編映画を作ったり、さまざまなプロジェクトのためにウェブサイトをコーディングしたりするのが好きになりました。これらのクリエイティブな活動の中で、音楽が私を選んだのは本当に不思議で素晴らしい偶然だと思います。特に私が正式な音楽の「学位」を持っていないことを考えると、最終的に音楽が私を選んだということです。大学では、「映画実習」を専攻しました。直前のオーディションで「印象が薄い」と言われ、音楽学部に不合格になったからです。「Cave You Fear」や「Vigilante」のような私の音楽が、映画やテレビの音楽のように聞こえるのはそのためかもしれませんね。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

サクソフォーン奏者として、私は吹奏楽音楽に魅了される義務があると感じています。もちろん、オーケストラ音楽も大好きですが、吹奏楽の中でのサクソフォーン奏者として、特に「見られている」感じがします。音楽の色は無限にあります。（おそらく、オーケストラのように）12本の細かく削られた色鉛筆の代わりに、吹奏楽では100本のクレヨンが入った大きな箱で遊ぶことができます。これは、私が音楽のカメレオンになろうとするときに特に役立ちます。地味で、メロウで、叙情的な音色を描くこともできます（私の「City Trees」のように）。野性的で派手なスプラッターを描くこともできます（私の「Famishius Fantasticus」のように）。明るく陽気なスモークを描くこともできます（私の「Joyride」のように）。吹奏楽はこのように鮮やかなメディアなのです！

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

私はいつも、バンドの全員に楽しくて音楽的に満足できるパートを持ってもらいたいと思っています。年齢を重ねるにつれて、私が創り出す線と形が、互いにどのように影響し合うのか、対位法を意識するようになりました。長い持続音や、時折ブーム・チックを避けるのは難しいですが、このような「民主的ポリフォニー」（パーシー・グレインジャーの言葉を借りれば）を生かし、インスパイアされるように心がけています。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

高校で作曲を始めたばかりの頃、吹奏楽部の監督から、今度のニューヨーク旅行のために新しい曲を書かないかと誘われました。「ベートーヴェンの『歓喜の歌』のような、喜びにあふれた曲でなければならない」と彼は言いました。「ベートーヴェンの『歓喜の歌』のように。しかし、新鮮で現代的な響きも必要だ。」私たちのバンドはその頃、ジョン・アダムスの『Short Ride in a Fast Machine』のトランスクリプションをサイトリーディングしたのですが、私たちにはちょっと手が届かなかった。少し難しすぎたのです。それを念頭に置いて、私はすぐに初期の吹奏楽作品の一つである「Joyride」を書きました。この曲は、ベートーヴェンのメロディーを速く、リズミカルに、そして少々カオティックに演奏します。数ヵ月後、この2分半の小さな爆竹は、カーネギーホールで公式に初演されました。私の人生で最も重要なコンサートのひとつでした。

それから8年ほど、「Joyride」は私のコンピュータのどこかに眠っていました。ある日、フロリダのバンド・ディレクターが私のウェブサイトで録音を見つけ、連絡をくれるまで、他のバンドがこの曲を演奏したいと思うとは思いもしなかった。その瞬間から、「Joyride」はアメリカ中の高校や大学のバンド、ヨーロッパ中のバンド、プロのオーケストラ、さらにはメイシーズ・サンクスギヴィング・デイ・パレードのマーチングバンドでも演奏されるようになりました。この曲は、私が高校3年生のときに書いて以来、とても寛大な人生を送ってきました。この20年間、この曲に悩まされ続けてきたことを幸運に思います。しかし、それ以上に、私の人生の中でこのようなインスピレーションに満ちた時期にこの作品を書けたことに感謝しています。歳を重ねるごとに、生身の喜びを思い出させてくれる力強い作品として、私を鼓舞し続けてくれていることに感謝しています。年齢と喜びの灯は、人生を通じてともすれば暗くなりがちですが、「Joyride」は、その灯を燃やし続けるよう私に挑んでいます。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

特定の曲を挙げることができるかどうかはわからないが、他の作曲家やオーケストレーターの名前をいくつか挙げることができるのは確かです。私自身の音楽的アイデンティティに影響を与えた人たちのほとんどはまだ生きていて、私の先生や同僚たちです：カール・シンドラー、マイケル・シャピロ、ラリー・ホッフマン、ジョアン・ハリス、ジョン・マッキー、フランク・ティケリ、スティーヴン・ブライアント、ジョナサン・ニューマン、ジェイク・ルネスタッド、ケリジャ・ダントン。しかし、他の作曲家だけでなく、指揮者や音楽家との関係が私たちに与える影響も忘れてはなりません。私にとっては、ジョン・ゴメス、ブライアン・ウォースデール、ヴェレーナ・モーゼンヒラー＝ブライアント、マイケル・バトラー、カート・エバーソール、ポール・コーン、デヴィッド・グールド、その他多くの人たちが、作曲家の友人たちと同じように、いや、それ以上に私を形作ってきました！これらの人々は皆、世界一流の音楽家として音楽的に私にインスピレーションを与えてくれただけでなく、おそらくもっと重要なのは、彼らが世界一流の人間であるということです。

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

最近、私は一握りの「フォーク」ミュージシャンに感動しています。スキップ・ゴーマン、アンディ・ウィルキンソン、ロバート・アームストロングといった人たちは、信じられないほどソウルフルなミュージシャンでありソングライターです。そして驚くことに、彼らの中で記譜法を学ぶ必要のある者はほとんどいなかった。その代わりに、彼らは自分の耳と直感（またはリード・シート）に頼って音楽を作っています。これは作曲家にとってもミュージシャンにとっても非常に重要な教訓だと思います。大学でかなり正式に音楽を学んだ私たちにとって、技術的なことや、イントネーションやバランスというウサギの穴に足を取られることがどれほど簡単なことか、私たちは知っています。しかし、視野を広げて全体像を把握すると、まさにこうした「癖」こそが、私たちの演奏に個性と人間性を与えてくれるのです。それが私たちの音楽的アイデンティティとなり、私たちのスタイルとなり、私たちのストーリーとなり、スキルと才能が氾濫する世界における強力な差別化要因となるのです。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

私は、より共同作業的なプロセスを誘うような作品に取り組むことに興奮しています。例えば、最近は2人の詩人と合唱曲の共同制作に時間を費やしています。自分の頭の中のエコーチェンバーに閉じこもるのではなく、誰かと直接仕事ができること、進行中の作品についてフィードバックをもらえることに大きな喜びを感じています。私はコンサートバンドのために30以上の作品を書いてきましたが、この仕事が大好きな一方で、それによって自分自身を驚かせ、夢中にさせ、新しいことに挑戦し続けることが難しくなってきています。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

作曲家として気をつけなければならないのは、頭脳が心や耳を圧倒してしまわないようにすることです。私のようなアメリカ人は、しばしばこの厳しい愛に耳を傾ける必要がある：質素は美徳。しばらく派手さは脇に置いておいて、感情的なレベルで本当に心を動かされるようなアイデアを見つけるために努力することです。音符の裏側、自分自身、そして周りの世界に目を向けよう。質素は最終目標でもチェックボックスでもなく、生き方なのです。私はまだこの教訓を学んでいるし、これからもずっと学び続けるでしょう。

インタビューは以上です。マーコウスキーさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にCDやYou Tube、演奏会を通じてアーチャーさんの作品に触れていただきたいと思います。

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取材・文：梅本周平（Wind Band Press）

Interview with Michael Markowski

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I grew up in Arizona and joined band in the fifth grade purely out of peer pressure. My two best friends at the time wanted to join the school band and I succumbed to a strong Fear Of Missing Out. So I went home and told my mom that I wanted to learn to play the trombone. She quickly asked if I might prefer an instrument with “more keys.” I figured she was right and, at the time, I had no idea how you could play more than one note on the thing. So instead, I chose the saxophone.

A few years later, I began to experiment composing little pieces on my computer. I suppose I’ve always had an itch to create things. I used to love to draw – and even thought I might end up animating for Disney someday. I used to love writing poetry – although I loved publishing homemade books of that poetry more than I actually liked writing. As I grew older, I found a fondness for making short films with my high school friends and coded websites for our various projects. I think it’s really a strange and wonderful coincidence that out of all these creative endeavors, music is the thing that ended up choosing me especially considering that I don’t have a formal music “degree.” In college, I actually majored in “film practices” because I was rejected by the School of Music thanks to a last-minute audition that was rightly described as “less than impressive.” Perhaps this is why some of my music, like The Cave You Fear or Vigilante, might sound a bit like music for movies or television.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

As a saxophone player, I feel obligated to be fascinated with wind band music. Of course, I love orchestral music too, but I feel especially “seen” as a saxophone player in a band. There’s an endless supply of musical colors. Instead of 12 finely-sharpened colored pencils (as, perhaps, in an orchestra), band gives us a big box of 100 crayons to play with. This is especially helpful when I try to become a musical chameleon. I can paint somber, mellow, lyrical tones (as in my City Trees). I can paint wild, zany, splatters (as in my Famishius Fantasticus). I can paint bright, joyful puffs of smoke (as in my Joyride). Band is such a vivid medium!

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

I’ve always wanted everyone in a band to have a fun and musically satisfying part to play. As I get older, I’ve become even more actively aware of the counterpoint I create and how those lines and shapes interact with each other. It’s hard to avoid longer sustained tones – or the occasional boom-chick – but I really try to keep this sort of “democratic polyphony” alive and inspired (to borrow a term from Percy Grainger).

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

When I was just starting out composing in high school, my band director invited me to write a new piece for our upcoming trip to New York City. “It should be something joyful,” he said, “like Beethoven’s Ode to Joy. But it should also sound fresh and contemporary.” Our band had recently sightread a transcription of John Adams’s Short Ride in a Fast Machine, but it was just out of reach for us – a little too hard. And with that in mind, I quickly composed one of my first pieces for wind band, Joyride, which takes Beethoven’s melody for a fast, rhythmic, and somewhat chaotic ride. A few months later, this little two-and-a-half-minute firecracker would have its official premiere at Carnegie Hall. It was one of the most important concerts I’ve had in my life.

For the next eight or so years, Joyride sat somewhere dormant on my computer. It never occurred to me that other bands might want to play it until one day, a band director from Florida found a recording on my website and reached out about it. From that moment, Joyride began to be performed by high school and college bands around the United States, by bands throughout Europe, by professional orchestras, and even by marching bands marching in the Macy’s Thanksgiving Day Parade. This piece has had such a generous life since I wrote it as a high school senior. I am lucky to have been haunted by it for the last 20 years. But beyond that, I am grateful to have written it during such an inspired time in my life. I am grateful that it continues to inspire me as I get older as a powerful reminder of raw and untethered joy. As the lights of age and joy are wont to dim throughout life, Joyride challenges me to keep the spark ablaze.

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

I don’t know if I can name specific pieces, but I can certainly name a few other composers and orchestrators. Most of the folks that have influenced my own musical identity are still alive, my teachers and colleagues: Karl Schindler, Michael Shapiro, Larry Hochman, JoAnne Harris, John Mackey, Frank Ticheli, Steven Bryant, Jonathan Newman, Jake Runestad, Kelijah Dunton. But it’s not only other composers – let’s not forget the impact our relationships with conductors and musicians have on us as well. For me, Jon Gomez, Brian Worsdale, Verena Mosenhichler-Bryant, Michael Butler, Curt Ebersole, Paul Corn, David Gould, and so many others have shaped me just as much – if not more! – than my composer friends. Not only have all these people inspire me musically as world-class musicians, but perhaps more importantly, they are world-class human beings.

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

Lately, I’ve been moved by a handful of “folk” musicians. People like Skip Gorman, Andy Wilkinson, and Robert Armstrong are incredibly soulful musicians and songwriters, and surprisingly, few of them ever had the need to learn written notation. Instead, they rely on their ears and their instincts (or a lead sheet) to make music, and I think this is a very important lesson for composers and musicians alike. For those of us who studied music rather formally in college, we know how easy it is to get bogged down in technicalities and the rabbit hole of intonation and balance. But when we zoom out and get a sense of the big picture, it’s precisely these “quirks” that give our performances personality and humanity unique only to us. It becomes our musical identity, our style, our story – a powerful differentiator in a world flooded with skill and talent.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

I’m excited to work on more pieces that invite a more collaborative process. For instance, I’m spending more time these days collaborating with a couple of poets on some choral music. It’s giving me great joy to be able to work with someone directly, to be able to get feedback on a work-in-progress rather than be stuck in the echo-chamber of my own mind. I’ve written over 30 works for concert band, and while I love it, it keeps getting harder and harder to surprise myself, to keep myself engaged and fascinated, to keep trying new things.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

As composers, we should be careful not to let our brains overwhelm our hearts and our ears. Americans like myself often need to hear this tough love – simplicity is a virtue. Cast the razzle-dazzle aside for a while and work hard to find ideas that truly move you on an emotional level. Look behind the notes, at yourself, and the world around you. Simplicity isn’t an end goal or a box to be checked – it’s a way of life. I’m still learning this lesson and imagine I will be for years to come.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

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