「吹奏楽音楽の魅力は、人々や地域社会との強いつながりです」作曲家インタビュー：ヴィスカモン・チャイワーニッシリ氏（Viskamol Chaiwanichsiri） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

自身のサイトでも作品を販売していますが、いくつかの作品の印刷版はMurphy Music PressやStar Musicを通じて供給をしているタイの作曲家ヴィスカモン・チャイワーニッシリ氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

Wind Band Pressと同じくONSAが運営する各ストアではMurphy Music PressとStar Musicを通じて彼の作品の一部を輸入販売しています。

日本語も使える方で、お名前の日本語表記は氏に確認し「ヴィスカモン・チャイワーニッシリ」としています。

Golden Hearts Publicationsのストアでは各作品の参考音源が商品ページ内にあります。
インタビューと合わせて、ぜひチェックしてみてください。

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1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私はタイで音楽に囲まれた家庭で育ちました。父はバイオリンを弾き、姉たちは歌が大好きで、幼い頃から家族にピアノを習うよう勧められました。最初はピアノに特に惹かれたわけではありませんでした。むしろ、曲を正確に演奏することよりも、自由に鍵盤を押さえ、様々な音色を試していくことに夢中になりました。当時は「即興」という言葉さえ知りませんでしたが、その好奇心はずっと私の中に残りました。

大きな転機となったのは、学校のマーチングバンドにサクソフォーン奏者として参加した時でした。バンドの一員になることで、チームワーク、責任感、そして皆で音楽を創り出す喜びを学びました。同じ頃、コンピューターに興味を持ち、楽譜作成ソフトに出会い、バンドの楽曲をアレンジできるようになりました。次第に、アレンジは作曲へと変わり、作曲は私の想像力と音を、他の人々が共に体験できる何かへと昇華させる手段となりました。初めて自分の曲をバンドが演奏するのを聴いた時の感動は、忘れられません。それは大きな喜びでした。

その情熱が最終的に私をマヒドン大学のカレッジ・オブ・ミュージックで作曲を学ぶ道へと導き、この決断がその後のすべてを形作ることになったのです。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

吹奏楽は、実に多彩な音色を奏でます。それぞれの楽器には独特の個性があり、思慮深く組み合わせることで、力強くも繊細な響きを創り出すことができます。吹奏楽用に編曲されたオーケストラ作品を聴くだけでも、この表現方法が生み出す独特の音色に心を打たれます。多くの作曲家がこの独自性を受け入れ、吹奏楽音楽の表現の可能性を広げてきました。

吹奏楽音楽は進化を続けています。特に近年、作曲家たちは形式、質感、そして文化的な影響といった様々な要素を実験することで、この表現方法の限界を押し広げてきました。この進化の過程に身を置くことは、私にとって大きな喜びです。

吹奏楽音楽の魅力は、人々や地域社会との強いつながりです。タイや日本を含む多くの国では、学校、大学、地域社会で吹奏楽が盛んに行われ、多様な背景や技能レベルの音楽家が集まっています。こうした共同体的な側面こそが、彼らが共に創り出す音楽の深い人間性を際立たせているのです。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

私が常に立ち返る原則の一つは、文脈です。私は自問します。アンサンブルは誰なのか？聴衆は誰なのか？作品の目的は何なのか？教育的なものなのか、儀式的なものなのか、物語的なものなのか、それとも純粋に芸術的なものなのか？これらの問いが、私の作曲における多くの決定の指針となっています。

また、実用性にも細心の注意を払っています。指揮の経験があり、アンサンブルと密接に仕事をしてきたため、リハーサルの時間、バランス、記譜法、そして指揮者が音楽をどのように伝えるかについて、慎重に考えます。紙の上では素晴らしいアイデアがあっても、リハーサルで混乱を招いては効果がありません。

「ルール」については、固定された制約ではなく、計画のためのツールだと考えています。作曲する前に構成を考え、限られた素材から一貫性を生み出すことを目指し、音楽を通して何を伝えたいのかを常に自問自答しています。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

私の成長における重要な転機の一つは、「チャオプラヤー行進曲」でした。この作品は、指揮の修士課程を修了した後、吹奏楽に真剣に取り組み始め、タイ音楽の要素をこのジャンルに取り入れ始めた時期に作曲しました。タイの主要河川であるチャオプラヤー川にインスピレーションを得たこの作品は、日本のコンサートマーチの様式的な影響を受けつつ、タイの旋律とリズムの動きを取り入れています。

当時、この作品が大きな注目を集めるとは思っていませんでした。しかし、演奏され、後に録音されると、特にCOVID-19の流行期には、広く知られるようになりました。多くのアンサンブルから、この作品の演奏に興味があると連絡をいただきました。この経験を通して、私の文化的背景に根ざした音楽言語が、タイ国内外の演奏家や聴衆の心に響くことを実感しました。

この瞬間が、この芸術的道を歩み続け、より多くの作品を作曲し、最終的にはアメリカのミズーリ大学カンザスシティ校で作曲の博士号を取得するという自信を与えてくれました。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

私は様々な音楽に魅了されており、一つの作品の中で異なるスタイルがどのように相互作用するのか、つまり一人の作曲家が多様な作曲手法を通して複数の音楽言語をどのように融合させることができるのか、常に興味を持っています。例えば、アルフレート・シュニトケの「ゴーゴリー組曲」は、複数のスタイルを同時に並置することでポリスタイリズム（多様式主義）を示しています。レナード・バーンスタインの「プレリュード、フーガとリフ」は、ジャズの表現様式とクラシックの技法を融合させています。チャールズ・アイヴズの「カントリー・バンド・マーチ」は「すべてが同時に起こる」という概念を体現し、イーゴリ・ストラヴィンスキーの「管楽器のための交響曲」は、テクスチャと形式に対するキュビズム的なアプローチを探求しています。

アジアの音楽の伝統を取り入れた、異文化間の吹奏楽作品において、私は作曲家が文化的素材とどのように向き合うかに特にインスピレーションを受けています。特に、タイの作曲家、例えばナロン・プランチャルーンの「チャクラ」、キティ・クレマニーの「アルガルド」、ジンナワット・マンサップの「ハヌマーン」などは、私の考え方に影響を与えています。異文化の要素を取り入れた作品を作曲する際は、必ずオリジナルの音源や録音をリサーチし、じっくりと聴くようにしています。

興味深いことに、アメリカ留学以前、吹奏楽のために作曲した日本の作曲家たちに深く影響を受けていました。特に、彼らの物語やオーケストレーションの扱い方においてです。これらの作品の多くは、私の初期の吹奏楽作品に大きな影響を与えました。例えば、高昌帥作曲の「ディテュランボス」、八木澤教司作曲の「はてしなき大空への讃歌」、そして全日本吹奏楽コンクールの課題曲などです。

吹奏楽以外にも、映画音楽、ゲーム音楽、ポピュラー音楽など、様々なジャンルの作曲家から影響を受けています。レイヴェイ、YOASOBI、星野源といったアーティストもよく聴きます！インスピレーションはどこからでも湧いてくると信じています。耳を澄ませていれば、必ず創造性を刺激する何かが見つかるはずです。

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

私の興味は時とともに変化しています。現在アメリカで学んでいる間、現代作曲家に触れる機会が増えてきました。この夏はサマーミュージックフェスティバルに参加し、デヴィッド・ビーデンベンダーとヴィエット・クオンと共演しました。彼らの吹奏楽界への貢献を深く尊敬する二人の作曲家です。彼らの音楽素材への一貫した扱い方と洗練されたテクスチャーの使い方は、私にとって非常に魅力的です。

さらに、特に興味があり、ぜひ聴いてみてほしい現代作曲家が何人かいます。オリヴィエ・メシアン、武満徹、マグヌス・リンドベルイ、ジョン・コリリアーノ、アンナ・クライン、トーマス・アデス、チェン・イー（陳怡）、ピヤワット・ルイラープレザートです。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

今後は、異文化作曲の探求を深めることで、活動の幅を広げていきたいと考えています。特に、異音、リズムの流れ、音色の思考といったタイの音楽概念を、現代のアンサンブル作曲に翻訳する新たな方法を見つけることに興味を持っています。

また、タイの吹奏楽団のレパートリーのオンラインデータベースと作曲家支援ネットワークの両方として機能する「Thai Wind Composers」のようなプロジェクトを通して、音楽コミュニティへの貢献も続けていきたいと考えています。私の最終的な目標は、文化の架け橋となることです。タイの音楽を世界中の聴衆と共有すると同時に、他の地域の音楽的アイデアや作品をタイに持ち帰ることです。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

作曲、表現、そしてつながり。

作曲
作曲はコンスタントに続けましょう。私は作曲を楽器の練習と同じように捉えています。仕事と学業のスケジュールの都合上、夜に作曲することが多いのですが、毎日作曲するように心がけています。毎回大量の楽曲を制作する必要はありません。小さなアイデアが積み重なって完成された作品になるのです。初期の段階では、「自分の声を見つける」ことにプレッシャーをかけすぎないでください。作曲は時間、忍耐、そして規律を必要とするスキルです。作曲すればするほど経験を積み、自然と自分の声が現れてきます。

表現
今すぐには好きではない音楽でも、できるだけ多くの種類の音楽に心を開きましょう。深く聴き込み、素材を分析し、その文脈の中で何がうまく機能するのか（あるいは機能しないのか！）を自問自答してみましょう。これらすべてが、あなた自身の音楽言語を育んでいきます。表現は作曲だけにとどまりません。指揮、演奏、指導、批評執筆、コンサートへの参加、吹奏楽カンファレンス、ミュージカル、実験的なショーなど、様々な活動に挑戦してみましょう。音楽だけにとどまらず、美術館を訪れたり、アートフェアを巡ったり、料理を習ったり、新しい趣味を見つけたりしてみましょう。あらゆる経験が、音楽だけでなく、アーティストとしてのあなたを形作ります。

つながり
これらの経験はすべて、他者とのつながりを通して豊かになります。コミュニティは成長を促し、参加することで、創造性とサポートを共有する輪の一部となるのです。人間関係を築き、互いに助け合い、刺激し合い、聴衆と交流しましょう。そうすることで、作曲家として成長するだけでなく、コミュニティに貢献し、最終的には意義深く持続可能なキャリアを築くことができるのです。

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インタビューは以上です。チャイワーニッシリさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてチャイワーニッシリさんの作品に触れていただきたいと思います。

チャイワーニッシリさんの作品の一部はWBP Plus!およびGolden Hearts Publications Online Storeでもお取り扱いしています。

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（商品ページ内に参考音源がございます）

そのほかのチャイワーニッシリさんの作品は彼のウェブサイトからご注文ください。
https://viskamol.com/

取材・文：梅本周平（Wind Band Press）

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Interview with Viskamol Chaiwanichsiri, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I grew up in Thailand in a family surrounded by music. My father played the violin, my sisters loved singing, and my family encouraged me to take piano lessons from a young age. At first, I wasn’t particularly drawn to playing the piano. What fascinated me instead was not playing pieces correctly, but freely pressing keys and experimenting with sounds. At the time, I didn’t know the word “improvisation,” but that curiosity stayed with me.

A major turning point came when I joined my school’s marching band as a saxophonist. Being part of a band taught me about teamwork, responsibility, and the joy of making music collectively. Around the same time, I became interested in computers and discovered notation software, which allowed me to arrange music for my band. Gradually, arranging turned into composing, and composing became a way for me to translate imagination and sound into something others could experience together. Hearing the band perform my own music for the first time was unforgettable. It was deeply rewarding.

That passion ultimately led me to study composition at the College of Music, Mahidol University, a decision that has shaped everything since.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

The wind band offers a vast palette of colors. Each instrument has a distinct identity, and when combined thoughtfully, they can create sonorities that are both powerful and delicate. Even when listening to orchestral works transcribed for wind bands, I am struck by the unique colors the medium brings forth. Many composers have embraced this uniqueness and expanded the expressive possibilities of wind band music.

Wind band music continues to evolve. Especially in recent decades, composers have pushed the boundaries of the medium by experimenting with form, texture, and cultural influences. Being part of this ongoing evolution is something I find deeply exciting.

What also fascinates me about wind band music is its strong connection to people and community. In many countries, including Thailand and Japan, wind bands thrive in schools, universities, and local communities, bringing together musicians of diverse backgrounds and skill levels. This communal aspect highlights the profound humanistic quality of the music they create together.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

One principle I consistently return to is context. I ask myself: Who is the ensemble? Who is the audience? What is the purpose of the piece – educational, ceremonial, narrative, or purely artistic? These questions guide many of my compositional decisions.

I also pay close attention to practicality. Because of my background in conducting and my close work with ensembles, I think carefully about rehearsal time, balance, notation, and how a conductor might communicate the music. A brilliant idea on paper is ineffective if it creates confusion in rehearsal.

In terms of “rules,” I don’t see them as fixed restrictions but rather as tools for planning. I consider structure before composing, aim to build coherence from limited material, and continually ask myself what I want to communicate through my music.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

One important turning point in my development was Chao Phraya March. I wrote the piece after completing my master’s degree in conducting, at a time when I began to focus more seriously on wind band music and on integrating Thai musical elements into the genre. Inspired by the Chao Phraya River, the main river in Thailand, the work draws stylistic influence from Japanese concert marches while incorporating Thai melodic and rhythmic gestures.

At the time, I did not expect the piece to receive much attention. However, after it was performed and later recorded, it began to circulate widely, particularly during the COVID-19 period. Many ensembles reached out to me expressing interest in performing the work. This experience helped me realize that a musical language rooted in my cultural background could resonate with performers and audiences both within Thailand and internationally.

That moment gave me the confidence to continue developing this artistic path, compose more works, and ultimately pursue doctoral studies in composition at the University of Missouri – Kansas City in the United States.

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

I am fascinated by many kinds of music and am always curious about how different styles might interact within a single piece: how one composer can combine multiple musical languages through varied compositional approaches. For example, Alfred Schnittke’s Gogol Suite demonstrates polystylism by juxtaposing multiple styles simultaneously; Leonard Bernstein’s Prelude, Fugue and Riffs blends jazz idioms with classical techniques; Charles Ives’s Country Band March embraces the idea of “everything happening at once”; and Igor Stravinsky’s Symphonies of Wind Instruments explores a cubist approach to texture and form.

In my cross-cultural wind band works that draw on Asian musical traditions, I have been especially inspired by how composers engage with cultural material. Thai composers, in particular, have influenced my thinking?such as Narong Prangcharoen’s Chakra, Kitti Kuremanee’s Argard and Jinnawat Mansap’s Hanuman. When composing works that incorporate cross-cultural elements, I make it a point to research and listen closely to original source materials and recordings.

Interestingly, prior to my studies in the United States, I was deeply influenced by Japanese composers writing for wind bands, especially in their treatment of narrative and orchestration. Many of these works had a strong impact on my early wind band compositions. Examples include Chang-Su Koh’s Dithyrambos, Satoshi Yagisawa’s Hymn to the Infinite Sky, as well as numerous set pieces (課題曲) from the All-Japan Band Competition (全日本吹奏楽コンクール).

Beyond wind band music, I am also influenced by composers across many genres – film music, game music, and popular music. I listen to artists such as Laufey, YOASOBI and Gen Hoshino as well! I believe inspiration can come from anywhere; if you keep your ears open, you will always find something that sparks creativity.

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

My interests evolve over time. Through my current studies in the United States, I have been increasingly exposed to contemporary composers. This past summer, I attended a summer music festival where I worked with David Biedenbender and Viet Cuong – two composers whose contributions to wind band music I greatly admire. Their coherent treatment of musical material and their sophisticated use of texture are exceptionally compelling to me.

In addition, there are several contemporary composers whose work I am particularly interested in and would highly recommend exploring: Olivier Messiaen, Toru Takemitsu, Magnus Lindberg, John Corigliano, Anna Clyne, Thomas Ades, Chen Yi, and Piyawat Louilarpprasert.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

In the future, I hope to continue expanding my work by deepening my exploration of cross-cultural composition. I am particularly interested in discovering new ways to translate Thai musical concepts, such as heterophony, rhythmic flow, and timbral thinking, into contemporary ensemble writing.

I also aim to continue contributing to the musical community, especially through projects like Thai Wind Composers, which serves both as an online database of Thai wind band repertoire and as a support network for composers. My ultimate goal is to act as a cultural bridge: sharing music from Thailand with audiences around the world while also bringing musical ideas and works from other regions back to Thailand.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

Compose, Expose and Connect.

Compose
Keep composing consistently. I treat composition the same way one might practice an instrument. Because of my work and study schedule, I often write at night, but I try to do it every day. You don’t need to produce a large amount of music each time, small ideas accumulate into complete works. In the early stages, don’t pressure yourself too much about “finding your voice.” Composition is a skill that requires time, patience, and discipline. The more you write, the more experience you gain, and your voice will naturally emerge.

Expose
Open yourself to as many kinds of music as possible, even the ones you don’t immediately like. Listen deeply, analyze the material, and ask what makes it work (or not work!) within its context. All of this feeds into your own musical language. Exposure goes beyond composing: try conducting, performing, teaching, writing reviews, attending concerts, wind band conferences, musicals, and experimental shows. And don’t stop with music, visit museums, explore art fairs, learn to cook, or pick up new hobbies. Every experience shapes not only your music, but who you are as an artist.

Connect
All of these experiences are enriched through connection with others. Communities inspire growth, and by joining them, you become part of a circle of shared creativity and support. Build relationships, help and inspire one another, and engage with your audience. In doing so, you don’t just grow as a composer, you contribute to the community and ultimately build a career that is both meaningful and sustainable.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

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