「最も難しいのは技術的な難しさではなく、音楽性であってほしいと思っています」作曲家インタビュー：マイケル・ミクルカ氏（Michael Mikulka） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

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自身のサイトで作品を販売していますが、いくつかの作品の印刷版はMurphy Music Pressを通じて供給をしているアメリカの作曲家マイケル・ミクルカ氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

Wind Band Pressと同じくONSAが運営する各ストアではMurphy Music Pressを通じて彼の作品の一部を輸入販売しています。

日本ではまだあまり馴染みのない作曲家だと思いますが、優れた作品を発表し続けています。

Golden Hearts Publicationsのストアでは各作品の参考音源が商品ページ内にあります。
インタビューと合わせて、ぜひチェックしてみてください。

1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私はアメリカのニュージャージー州で育ちました。両親はどちらも音楽の訓練を受けたわけではありませんでしたが、二人とも音楽が好きでした。母は昔のブルースやジャズをよく歌い、父は子供の頃アコーディオンを弾き、ピアノでも数曲弾けました。家には古くて壊れたピアノがあり、私はそれを使ってどんな音の組み合わせが合うか実験していました。小学校でトランペットを始め、ある日、先生とデュエット曲を書いて演奏しようと思い立ちました。次のレッスンで一緒にデュエット曲を通してみたところ、すっかり夢中になりました！13歳の時、夏の音楽キャンプに参加した時に先生から楽譜作成ソフトのことを教えてもらい、「Noteworthy Composer」というソフトを手に入れました。おかげで、はるかに早く、より効果的に作曲できるようになりました…しかもMIDI再生もできました！放課後ほぼ毎日作曲を始め、高校を卒業するまでに100曲以上も作曲しました。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

ほかの作曲も好きですが、吹奏楽は昔から作曲をするのが一番好きな編成です。チームワークが好きです。演奏家同士が互いに耳を傾け、調和し、自分の役割を理解し、自分のパートが重要でない時には他の演奏者のためにスペースを空ける必要があるからです。ニュアンスを表現する能力と、ドラマチックな極限表現の能力が好きです。クラシックとポピュラー音楽の両方を網羅する編成であることも魅力です。中学校や高校の吹奏楽団は、普段はそれを聴こうと思わないような人々に、純粋に器楽的な音楽を届ける貴重な機会を提供してくれるのも魅力です。現役の作曲家の音楽を熱心に支援する吹奏楽団や、より深く理解するために時間をかけて作曲を学ぶ多くの吹奏楽団も魅力です。吹奏楽団では、無限のテクスチャーと音色を表現できるのも魅力です。ユーフォニアムも好きです！

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

可能な限り、最も難しいのは技術的な難しさではなく、音楽性（演奏者がどのように調和し、バランスを取り、フレーズを形作り、感情を表現するかなど）であってほしいと思っています。技術的に難しい曲を書く場合は、極端な音域の音符ではなく、複雑なリズムや速いパッセージから難しさの大部分が生まれるようにしたいのです。

より高度な吹奏楽の曲では、私は通常、全員のパートがより平等に興味深いものになるように努めます。演奏者が何年もかけて能力を磨いてきたのであれば、たとえオーボエ2番やトランペット3番を演奏していたとしても、重要な役割を担う価値があるからです。

多くの吹奏楽音楽（特に私が現在住んでいるテキサスでは）は、テンポ、ダイナミクス、音域といった表面的な要素において極端な表現に頼りがちです。時にはそれが楽しいこともありますが、私はもっと、じっくりと時間をかけてニュアンス豊かな物語を紡ぎ、最もドラマチックな瞬間が訪れた時に、それが必然的で、十分に報われたと感じられるような吹奏楽音楽を求めています。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

小さな転機はたくさんありましたが、私にとって最大の転機となったのは、2019年に「Music to Drift Away With」を書いた時です。これは私の作品の中ではそれほど人気の高いものではありません（初演はパンデミックが始まる直前という最悪のタイミングでした）。しかし、この曲は当時私が最も大切にしていた音楽的特性をすべて集約し、それ以来私が作ろうとしてきた音楽の方向性を予見するものでもありました。「Music to Drift Away With」は、私の音楽的理念と私自身を、これまで私が作曲したどの作品よりもよく表現しており、6年近く経った今でも、これまで私が書いた作品の中で断然お気に入りの作品となっています。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

私は本当に様々なジャンルの音楽が好きで、たとえ彼らの音楽が私の音楽とは全く違っていても、それらは私の作曲に何らかの形で影響を与えています！今はチャペル・ローン、ファイルーズ、アルベルト・ヒナステラ、そしてケフ・タイム・バンドに夢中です。吹奏楽界以外では、ジェルメーヌ・タイユフェール、イーゴリ・ストラヴィンスキー、ビヨンセ、アラム・ハチャトゥリアン、モーリス・ラヴェル、ティグラン・ハマシアン、チャイルディッシュ・ガンビーノ、アラ＆オンニク・ディンキアン、ドージャ・キャット、セルゲイ・プロコフィエフなどが大きな影響を与えています。

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

ヴィエット・クオンの音楽は発明的で、リズムが独創的で、個性的。そして明瞭さを損なうことなく、しばしば複雑な要素も持ち合わせています。彼の「Vital Sines」は、おそらく私のお気に入りの吹奏楽作品です（厳密には協奏曲ですが）。ニコル・パイウノの音楽は繊細で、忍耐強く、表現力豊かで、もっと多くの吹奏楽音楽にそうあってほしいと願うほどです。ケイト・ニシムラの音楽は、穏やかで真摯で、流れるような感覚を与えてくれます。カタジ・コプリーの音楽は本物らしく、音楽的なアイデアが彼から自然に湧き出ているのが分かります。ケヴィン・チャロエンスリは、優れた作曲技術に加え、表現力豊かで直感的な音楽を書く能力も兼ね備えています。これらは今頭に浮かんだ人たちですが、他にも素晴らしい作曲家が数多く、現在も吹奏楽音楽を作曲しています。Murphy Musicをご存知ない方は、ぜひウェブサイトをご覧ください。ここ数年で、Murphy Musicはアメリカの若手吹奏楽作曲家にとって主要な出版社となっています。必ずしもPDFを販売しているわけではありませんが、販売していない場合でも、作曲家が自分のWeb サイトでPDFを公開していることが多いです。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

ここ数年、アルメニアのダブルリード楽器であるドゥドゥクを使って、中東の音楽を数多く演奏してきました。将来的には、他の中東の音楽家たちと協力して、バンド／オーケストラ用の民謡編曲集と、マカーム理論の基礎を解説し、微分音の演奏、メロディーの装飾、タクシームの即興演奏を若い音楽家が習得できる教則本を出版したいと思っています。確かに非常に難しいプロジェクトになるでしょうが、シンプルで分かりやすい形式で提示されれば、中学生のバンドの生徒でもこれらのスキルを習得できると確信しています。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

もっと曲を書き、様々なスタイルで作曲に挑戦してみましょう。完璧さを気にせず、もっと多くの音楽に挑戦してみてください！作曲が上手くなる一番の方法は作曲すること。そして、自分らしい作曲スタイルを見つける一番の方法は、自分が書きやすい音楽スタイルを広げていくことです。新しいことに挑戦してみて、自分の書いたものが気に入らなかったとしても、それは学びの経験であり、誰かに見せる必要はありません！さらに、できるだけ多くの視点から音楽を体験してみることをお勧めします。バンドの指揮、バンドでの演奏、新しい楽器の演奏方法の習得、音楽理論の理解を深めること、そして聴力トレーニング…これらはすべて、あなたをより熟練した作曲家にしてくれるでしょう。

インタビューは以上です。ミクルカさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてミクルカさんの作品に触れていただきたいと思います。

ミクルカさんの作品の一部はWBP Plus!およびGolden Hearts Publications Online Storeでもお取り扱いしています。

→WBP Plus!楽天市場店はこちら

→Golden Hearts Publications Online Storeはこちら
（商品ページ内に参考音源がございます）

そのほかのミクルカさんの作品は彼のウェブサイトからご注文ください。
https://michaelmikulka.com/

取材・文：梅本周平（Wind Band Press）

Interview with Michael Mikulka, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I grew up in New Jersey in the United States. Neither of my parents were trained musicians, but they both enjoyed music: my mom would sing old blues and jazz songs, and my dad played accordion as a child and could play a few songs on piano. Our house had an old broken-down piano, and I had started experimenting on it, trying to figure out what notes sounded good together. I started playing trumpet in elementary school, and one day I decided to write a duet to play with my teacher. We read through the duet together in my next lesson, and I was hooked! At age 13, I went to a summer music camp where a teacher told me about notation software, and I got a program called “Noteworthy Composer”. This allowed me to write music much quicker and more effectively… and I could hear the MIDI playback! I started composing almost every day after school, and I had written well over 100 compositions by the end of high school.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

I enjoy composing other things too, but band has always been my favorite instrumentation to write for. I like the teamwork: how the musicians have to listen to each other and blend together and how they have to understand their role and make space for others when their line isn’t as important. I like the capacity for nuance and I also like the capacity for dramatic extremes. I like that it is an instrumentation that embraces both classical and popular music. I like that middle school and high school bands provide a rare opportunity for purely instrumental music to reach people who wouldn’t ordinarily think to listen to it. I like that bands enthusiastically support music by living composers, and that many bands will spend enough time learning a composition to understand it on a deeper level. I like the endless variety of textures and timbres that are possible in band. I even like the euphoniums!

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

Whenever possible, I want the most challenging aspect to be the musicality (how musicians blend together, balance, shape phrases, express emotion…) rather than the technical difficulty. When I do write things that are technically difficult, I would ideally prefer most of the difficulty to come from complicated rhythms or fast passages rather than from notes in extreme registers.

For my more advanced wind band music, I also usually try to make everybody’s parts more equally interesting: if a musician has spent years developing their ability, they deserve to play an important role even if they are playing Oboe 2 or Trumpet 3.

A lot of band music (especially in Texas, where I currently live) also tends to rely on extremes in surface-level elements like tempo, dynamics, and registers. Sometimes that can be enjoyable, but I want more band music that is patient and spends time building a nuanced story so that when the most dramatic moments do eventually happen they feel inevitable and fully-earned.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

There have been a lot of little inflection points, but the biggest turning point for me was when I wrote “Music to Drift Away With” in 2019. It isn’t one of my more popular compositions (the first performance happened at the worst possible time: right before the pandemic started). However, it simultaneously summed up all of the musical attributes that I valued most at the time and anticipated the type of music that I have been trying to write since then. “Music to Drift Away With” expresses what my musical ideology is and who I am as a person better than anything else I have composed, and almost six years later, it is by far my favorite composition that I’ve written.

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

I love so many different types of music, and they all influence my composition in some way even when their music is radically different than mine! I am currently obsessed with Chappell Roan, Fairuz, Alberto Ginastera, and Kef Time Band. Some other musicians outside of the band world that have strongly influenced me include Germaine Tailleferre, Igor Stravinsky, Beyonce, Aram Khachaturian, Maurice Ravel, Tigran Hamasyan, Childish Gambino, Ara and Onnik Dinkjian, Doja Cat, and Sergei Prokofiev.

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

Viet Cuong’s music is inventive, rhythmically creative, distinctive, and it is often complex without sacrificing clarity. His “Vital Sines” is probably my favorite composition for wind band (even though it’s technically a concerto). Nicole Piunno’s music is often subtle, patient, and expressive in a way that I wish more band music was. Cait Nishimura’s music often feels peaceful and earnest and flowing. Katahj Copley’s music feels genuine and you can tell that musical ideas just flow from him. Kevin Charoensri has strong compositional technique along with the capacity to write music that’s expressive and feels instinctive. These are some people who came to my mind in the moment, but there are also so many more amazing composers writing band music right now. If you are unfamiliar with Murphy Music, I highly recommend checking out their website: over the past several years they have become the primary publisher for young American band composers. They don’t always sell PDFs, but if not, the composers will usually have them available on their own websites.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

For the past few years, I have been performing a lot of Middle Eastern music on the duduk, an Armenian double reed instrument. At some point in the future, I would like to partner with other Middle Eastern musicians to write a set of folk song arrangements for band/orchestra along with a method book that teaches the basics of maqam theory and helps young musicians learn how to play microtones, ornament melodies, and improvise a taqsim. It will be a very difficult project for sure, but I am confident that even middle school band students have the capacity to learn these skills if they are presented in a simple and understandable format.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

Write more music, try composing in a wide variety of styles, and don’t worry about perfection! The best way to get better at composing is to compose, and the best way to find your own compositional voice is by expanding the styles of music that you feel comfortable writing in. If you try something new and dislike what you’ve written, it’s still a learning experience and you don’t have to show it to anybody! Additionally, I recommend trying to experience music from as many viewpoints as possible: conducting a band, performing in bands, learning how to play a new instrument, improving your understanding of music theory and ear training… these will all make you a more skilled composer.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

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