「私たちの活動で最も大切なのは、他の人々との繋がり、そしてそこで分かち合う感情です」作曲家インタビュー：ハリソン・J・コリンズ氏（Harrison J. Collins） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

アメリカの作曲家ハリソン・J・コリンズ氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

Wind Band Pressと同じくONSAが運営する各ストアでは彼の作品の輸入販売をしています。

日本ではまだあまり馴染みのない作曲家だと思いますが、優れた作品を発表し続けています。

Golden Hearts Publicationsのストアでは各作品の参考音源が商品ページ内にあります。
インタビューと合わせて、ぜひチェックしてみてください。

1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私はテキサス州のダラス・フォートワース・メトロプレックスと呼ばれる大都市圏で育ちました。幼い頃、兄が演奏するバンド（注：吹奏楽団）のコンサートにすっかり夢中になり、6年生の時に機会を得てバンドに参加することにしました。最初はクラリネットを演奏していましたが、先生がすぐにファゴットに転向させ、それ以来ずっとファゴットを演奏しています。2013年、8年生になる前の夏にバンドキャンプに参加し、トッド・スターター作曲の「Cut to the Chase」を演奏しました。この曲は今まで聴いたことがなく、そのユニークさとスリリングさに衝撃を受けました。私は生まれながらの「クリエイター」で、子供の頃は作家、イラストレーター、俳優になりたいという夢を何度も抱いていました。ですから、このような音楽は作曲家の存在があってこそ成り立つものだと気づいた時、自分も作曲家になり、バンドのために自分で曲を作曲したいと思いました。 13歳の秋に作曲の実験を始め、2014年の春には「Clash」という最初の楽曲を作曲しました。バンドの指揮者の方々は、私が作曲した作品の世界初演を、仲間たちと指揮する機会を快く許可してくださいました。この経験にすっかり魅了され、その瞬間から作曲家としてのキャリアを築こうと決意し、それ以来ずっと作曲を目指して歩み続けています。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

吹奏楽団には、驚くほど豊かで多様な音色と色彩のパレットがあります。私も多くの音色を愛用し、定期的に演奏していますが、同時に、新しい曲に取り組むたびに、無数の新しいアイデアを思いつくことができます。吹奏楽団のために曲を書くことは、私にとって決して飽きることはありません。吹奏楽団の多様な音色を生み出す力のおかげで、数え切れないほどの、素晴らしく個性的な声を持つ作曲家の作品を聴き、彼らの作品へのアプローチを称賛することができます。つまり、音の可能性は無限にあるということです。つまり、心を開いて探求する限り、新しい音を見つけることは「できるかどうか」ではなく「いつできるのか」の問題なのです。最後に、吹奏楽団の音楽コミュニティは素晴らしくオープンマインドで、新しいことに挑戦したりリスクを冒したりすることを、忌避するのではなく、むしろ奨励しています。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

作曲のプロセスをあまりにも強く内面化してしまうと、時間が経つにつれて自分の指針を意識的に認識することが非常に難しくなります。私自身もその傾向に陥ったことを認めざるを得ません。しかし、作曲において私が最も意識的に心がけている第一の原則は、すべての作品において自分にとって新しいことに挑戦することです。これは小さな実験から、例えば「These Radiant Moments」は、アンサンブル全体の「スティング」コードを使わずに、強烈で力強い曲を終わらせたいという私の願いを叶えてくれました。さらに、はるかに大きな実験まであります。例えば「Nocturne」の第3楽章は、4部構成のコラールに基づいており、最終的にはベーステンポ、ダブルテンポ、そしてクワドラプルテンポで同時に演奏されます。このように自分自身に挑戦することで、常に「新鮮」な気持ちでいられ、作曲するたびに少しずつ成長していくことができます。また、私は作品を始める前から、結末をすでに思い描いていることも少なくありません。私は音楽作品のエンディングに特に魅了されており、聴く人にとって適切で満足のいくような形で終わらせたいと思いながら作品を書いていることが多いです（しかし、もちろん、そこにたどり着くまでにエンディングが変わる可能性も常に考慮に入れています！）。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

高校3年生（2018年）の春、私は「五月の薔薇よ（O rose of May）」という吹奏楽曲を作曲しました。その年の夏、当時マージョリー・ストーンマン・ダグラス高校の吹奏楽部の指揮者だったアレックス・カミンスキー氏から連絡がありました。その高校では、わずか数か月前に恐ろしい銃乱射事件が発生していました（米国では、政府の不注意が大きな原因で、この事件はあまりにも頻繁に起こっています）。カミンスキー氏と彼の生徒たちは、ミッドウェスト国際バンド・オーケストラ・クリニックに招待されており、彼はそのプログラムに「五月の薔薇よ」を組み込むことに興味を示しました。結局、彼は私の作品をプログラムに含めることになり、その年の12月にミッドウェスト・フェスティバルが開催されると、吹奏楽界の注目はカミンスキー氏と彼の生徒たちに集まりました。この出来事は私の人生とキャリアに2つの顕著な影響を与えました。1) 現実的に言えば、国際的な舞台で満員の音楽家たちの前で「O rose of May」が世界初演されたことで、それまで無名だったこの作品が全国的に人気となり、全米各地で数多くの公演が行われ、さらに他の国々でも（マエストロ武田晃氏の指揮による日本公演も含む）数回の公演が行われました。また、これが私のキャリアを飛躍的にスタートさせる数多くの機会につながり、それ以来私が恵まれてきたすべてのことへの道が開かれました。2) 初演当時、私は18歳で大学1年生だったので、私の作品を初演した高校生たちは、実質的にはまだ私の同級生でした。アンサンブルのほぼ全員の生徒と会うことができましたが、全員が信じられないほど精神力、回復力、思いやりに満ちており、これまでに感じたことのないようなつながりと仲間意識を私と共有してくれました。たくさんの方々から「『五月の薔薇よ』は今回のプログラムの中で一番好きな曲です」「『五月の薔薇よ』のリハーサルは毎回楽しみにしていました」といったお言葉をいただき、その言葉に、私は強い感謝の気持ちと、不思議な謙虚さで満たされました。これまでは、得意だから、そして楽しいから（そして今でも本当に楽しい！）作曲を続けてきました。しかし、このイベントでの交流を通して、自分の作品が人々の人生に喜びと前向きな気持ちをもたらしてきたことを強く意識し、それを続けていく使命を感じました。それ以来、この使命を常に心に留め、作品をより良いものにするために、あらゆる機会を模索してきました。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

12年以上にわたる作曲家としてのキャリアを通して、私の作品に影響を与えた作品は数え切れないほどあります。100個もの答えを熱心に共有できるほどですが、ここでは個人的に特に印象深いものをいくつか挙げたいと思います。アーロン・コープランド、レナード・バーンスタイン、吉松隆、ドミトリー・ショスタコーヴィチの交響曲は、クラシック音楽の領域における道標となる作品であり、大規模なアンサンブルの力強い音楽的、そして感情的な可能性を私に示してくれました。クラシック音楽に夢中になる前は、ロックやポップスを聴いて育ちましたが、近年では、ノア・カーン、ジョナサン・コウルトン、チャペル・ローン、サンキュー・サイエンティストの音楽に影響を受け、その音楽的素養をさらに深め、クラシック音楽作品に外の世界からの影響を取り入れるようになりました。私は昔からビデオゲームが大好きで、光田康典 (クロノ・トリガー)、近藤浩治 (マリオゲームのほとんどはもちろん、ヨッシーアイランドが特に好き)、レナ・レイン (セレステ)、トビー・フォックス (アンダーテール、デルタルーン)、西木康智 (オクトパストラベラー I および II) といったビデオゲーム作曲家の音楽は私に無限のインスピレーションを与え、雰囲気を作り、物語を強化する音楽の力を教えてくれました。

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

現役の作曲家の音楽を共有し、私と同じように音楽の旅の段階にいる作曲家たちを支援することに、私は強い信念を持っています。そこで、同世代の作曲家たち、彼らの注目すべき作品、そして彼らが聴く価値のある素晴らしい音楽を生み出す理由をいくつかご紹介します。
– ケヴィン・チャロエンスリ（Kevin Charoensri） (An American Songkran、Regeneration、Rising Light) – ケヴィンの作品は、間違いなくあなたの心の琴線に触れます。豊かなハーモニーのサウンドスケープを創り出す時も、激しいリズムのジャムセッションを創り出す時も、彼は常に、私たちが共に生きる人生への力強い敬意と祝福を作品の中に表現しています。
– カタジ・コプリー（Katahj Copley） (Pillars、DOPE、Kaleidoscope Eyes) – カタジは、既に全国的に知られているのには、それなりの理由があります。驚くほど多作な作曲家で、独特の豊かな声は、心に深く刻まれる思慮深さと官能的なグルーヴを完璧に調和させています。
– フランクリン・D・ハンセン（Franklin D. Hansen） (To Pull Out All the Stops、A Solemn Message、Classified) – 巧みな音楽展開と感情の力強さを巧みに捉えるフランクリンの音楽は、思慮深さ、機知、そして真摯さを特徴とする彼の鮮やかな個性が溢れ出している。
– タイラー・マゾーン（Tyler Mazone） (Shut Out、N.D.、Meridian Jubilee) – タイラーの真似をできる人はいない！彼は独創的で目を引くハーモニーとテンポを生み出し、作曲するすべての作品に畏敬の念を抱かせる冒険心をもたらしている。
– ジョシュ・トレンタデュー（Josh Trentadue） (Hilltop Run、A Wild Christmas Nightcap、Mystic Summers) – ジョシュの音楽は過小評価されている。彼の卓越したオーケストレーション、冒険的なハーモニー、そして容赦ないリズムの推進力が組み合わさり、変革をもたらす音楽体験を生み出している。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

キャリアを終える前に作曲したい「バケットリスト」のような作品のアイデアがたくさんあります。打楽器奏者と吹奏楽団のための協奏曲、フルオーケストラのための大規模な作品、アメリカの作曲家サミュエル・バーバーのエッセイに触発された一連の音楽エッセイ、そして吹奏楽団のための交響曲、そしてもしかしたら他のアンサンブルのための交響曲（今年初めて交響曲を完成させました！）などです。また、より多くの音楽家と共演し、同世代の作曲家たちが作曲する素晴らしい吹奏楽団の音楽を聴衆に紹介するために、指揮者としても活躍したいと考えています。現在、音楽学士号を取得しているので、知識、創造力、そしてキャリアの可能性を広げるために、さらに教育と学位を取得していくつもりです。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

いくつかのポイントを挙げましょう。1.) 競争相手は自分自身だけです。言い換えれば、自分の音楽的声を届けようとするすべての人に居場所はあり、あなたは自分と同じことをしようとしている誰かと競争しているわけではないということです。他の人と競争するのではなく、チームメイトや同僚として接し、ミュージシャンとしての自身の成長に集中しましょう。2.) 作曲は人間のために行われていることを決して忘れてはいけません。エレクトロニックミュージックでさえ、しばしば人間の影響を受けます（作曲には人間が必要なのです！）。これは、理解と実用性に大きな影響を与える可能性があります。例えば、私たちは音楽で特定のことを達成しようとして、どのように作曲するかについて非常に具体的なアイデアを頭の中に思い浮かべることがあります。私たちは特定の手法に強い執着を感じるかもしれませんが、同じ音楽効果を達成するには、ミュージシャンにとってより理解しやすい方法があるかもしれません。私たちが作曲するミュージシャンに配慮した方法で作曲することで、私たち自身のスキルが向上し、より良い演奏を生み出すことができ、そして作曲したミュージシャンとのより強いつながりを築くことができます。結局のところ、3.) 私たちの活動で最も大切なのは、他の人々との繋がり、そしてそこで分かち合う感情です。演奏者、指揮者、作曲家、そして聴衆。それぞれが欠けては存在できません。音楽は人間の経験にとって不可欠な要素であり、共に創り出すたびに、それは唯一無二で特別なものとなります。皆さんにも、音楽をこのように捉え、他の人々と共に音楽を創り出す機会があるたびに、その素晴らしさを実感していただきたいと心から願っています。

インタビューは以上です。コリンズさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてコリンズさんの作品に触れていただきたいと思います。

コリンズさんの作品はWBP Plus!およびGolden Hearts Publications Online Storeでもお取り扱いしています。

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（商品ページ内に参考音源がございます）

取材・文：梅本周平（Wind Band Press）

Interview with Harrison J. Collins, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I grew up in Texas in a large metropolitan area called the Dallas-Fort Worth Metroplex. As a young kid, I found myself very enamored by the band concerts that my older brother played in, so I decided to join band myself when I was given the opportunity in sixth grade; I began playing the clarinet, but my teacher quickly moved me to the bassoon, which I have played ever since. During the Summer before my eighth grade year (2013), I attended a band camp and performed a piece called Cut to the Chase by Todd Stalter. I had never heard anything like this piece before, and I was astonished with how unique and thrilling it was. I have always been a natural “creator”, and as a young kid I had aspirations to be a writer, illustrator, and actor at different times?so, when I realized that music like this can only exist because of people who compose it, I decided that I wanted to be one of those people and compose my own music for band. I began experimenting with composition that Fall as a 13-year-old, and by the Spring of 2014, I had composed my first musical work entitled Clash. My band directors graciously allowed me to conduct the world premiere of my own piece, performed by my peers. I fell deeply in love with the experience and chose at that very moment to seek out a career in composition, which I have worked toward ever since.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

The wind ensemble contains a ridiculously rich, varied palette of timbres and colors. I’ve found many that I adore and employ regularly, but I can also go into every new piece with myriad ideas for new things to try; writing for the ensemble never gets old for me. The ensemble’s capability for aural variety also allows for countless composers with wonderfully unique voices to be heard and admired for their approaches to the craft; there are essentially endless sound opportunities, meaning that as long as one explores with an open mind, finding new sounds is not a matter of “if” but of “when”. Lastly, The wind band music community is wonderfully open-minded and encouraging, such that the trying of new things and the taking of risks is encouraged rather than shunned.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

It’s easy to internalize the writing process so strongly that it becomes quite difficult over time to consciously recognize one’s own guiding principles, and I admit that I’ve fallen victim to this. However, I can say that my first and most conscious principle of composition is that I would like to try something new to me in every piece. This can range from small experiments?These Radiant Moments fulfilled my wish to end a piece intensely and powerfully without utilizing the full ensemble “sting” chord?to much larger ones?the third movement of Nocturne is based on a four-part chorale that is eventually presented at the base tempo, at double tempo, and at quadruple tempo all simultaneously. Challenging myself in this way keeps me feeling “fresh” and pushes me to grow in some small way with every piece I compose. I can also say that I very often begin my works with the ending already in mind. I am particularly enamored with the endings of musical works, and I often write works knowing that I want them to conclude in a certain fashion that I think will fit and be satisfying for listeners (but, of course, I always allow room for the possibility that the ending will change by the time I get there!).

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

During the Spring of my senior year of high school (2018), I composed a work for band entitled O rose of May. Over the Summer of that year, I was contacted by Alex Kaminsky who, at the time, was the band director of the wind symphony at Marjory Stoneman Douglas High School, where a horrific mass shooting had taken place only months prior (an incident that is far too common in the US due, in great part, to our careless government). Maestro Kaminsky and his students had been invited to perform at the Midwest International Band and Orchestra Clinic, and he expressed interest in programming O rose of May as part of their program. It came to pass that he did choose to include my work on the program, and when Midwest came around in December of that year, all eyes in the wind band world were on Maestro Kaminsky and his students. This event had two notable effects on my life and career: 1.) Practically speaking, having O rose of May receive its world premiere in front of a packed hall of musicians on an international stage caused the formerly unknown piece to skyrocket to national popularity and led to numerous other performances all over the US as well as a few performances in other countries (including Japan under the baton of Maestro Akira Takeda!). This also led to numerous other opportunities that essentially jump-started my career, paving the way for everything I’ve been privileged to be able to do since then. 2.) At the time of the premiere I was 18 years old and a freshman in college, so the high school students who premiered my piece were still, essentially, my peers. I got to meet almost every student in the ensemble and every one of them were so unbelievably full of spirit, resilience, and compassion, sharing with me a sense of connection and camaraderie unlike any I had felt before. So many of them said things like “O rose of May is my favorite piece on our program” or “I looked forward to every time we rehearsed O rose of May”, and in doing so, they filled me with powerful gratitude and a strange humility. Up until this point, I had been composing because I was good at it and I thought it was a lot of fun (and I still do think it’s a lot of fun!). Through my interactions at this event, I became starkly conscious of the way that my work had brought joy and positivity to these peoples’ lives, and I realized that I felt a calling to continue doing that. I have carried this duty with me ever since, seeking all possible opportunities to use my work for good.

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

I mark near-countless influences on my work throughout my 12+ year composition career, and while I could enthusiastically share a hundred answers, I will restrict myself to some of the most personally powerful examples. The symphonies of Aaron Copland, Leonard Bernstein, Tekashi Yoshimatsu, and Dmitri Shostakovich have acted as guidepost works in the classical realm, showing me the powerful musical and emotional capabilities of large ensembles. I grew up listening to rock and pop music before I fell in love with classical music, and in recent years, the music of Noah Kahan, Jonathan Coulton, Chappelle Roan, and Thank You Scientist have influenced me to lean further into that musical upbringing and bring more outward influences into my classical compositions. I have also always deeply loved video games, and the music of video game composers such as Yasunori Mitsuda (Chrono Trigger), Koji Kondo (most of the Mario games of course, but I particularly enjoy Yoshi’s Island), Lena Raine (Celeste), Toby Fox (Undertale, Deltarune), and Yasunori Nishiki (Octopath Traveler I and II) have provided endless inspiration to me and shown me the power that music holds in setting moods and enhancing narratives.

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

I believe strongly in sharing the music of living composers and of supporting those who are in similar stages of their musical journeys as I am. I have compiled a small list of peers, names of some of their noteworthy pieces, and the reasons why I think they write very excellent music that is worth listening to.
– Kevin Charoensri (An American Songkran, Regeneration, Rising Light) – Kevin’s work is guaranteed to pull at your heartstrings; whether he is creating lush harmonic soundscapes or intense rhythmic jam sessions, he is always capturing in his compositions a powerful reverence for and celebration of our shared lives.
– Katahj Copley (Pillars, DOPE, Kaleidoscope Eyes) – Already nationally known for great reason, Katahj is an astonishingly prolific composer with a uniquely rich voice that perfectly balances poignant thoughtfulness with carnal groove.
– Franklin D. Hansen (To Pull Out All the Stops, A Solemn Message, Classified) – With a clever sense of musical development and a powerful grasp on the power of emotion, Franklin’s music bursts at the seams with his vivid personality; one characterized by thoughtfulness, wittiness, and earnestness.
– Tyler Mazone (Shut Out, N.D., Meridian Jubilee) – Nobody does it like Tyler does it! He has developed an arrestingly unique harmonic language and pacing that bring an awe-inspiring sense of adventurousness to everything he composes.
– Josh Trentadue (Hilltop Run, A Wild Christmas Nightcap, Mystic Summers) – Josh’s music is criminally underrated; his masterful orchestration, adventurous harmonies, and unrelenting rhythmic drives combine to create transformative musical experiences.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

I have many “bucket list” composition ideas that I’d like to compose before the end of my career, including a concerto for percussionist and wind ensemble, some kind of large-scale work for full orchestra, a series of musical essays (inspired by the essays of American composer Samuel Barber), and many more symphonies for wind ensemble and perhaps other ensembles as well (I completed my first symphony this year!). I am also striving to become an active conductor so that I might work with more musicians and introduce audiences to the fantastic wind ensemble music being written by my peers and contemporaries. I hold a Bachelor of Music currently, so I will most likely pursue further education and degrees to expand my knowledge, creative ability, and career opportunities.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

A few things: 1.) The only person you are competing with is yourself. Put another way, there is room for everyone who seeks to make their musical voice heard, and you are not competing with anyone else who is trying to do the same thing you are. Rather than try to compete with other people, treat them as teammates and colleagues, and focus on your own personal growth as a musician. 2.) Never forget that you are composing for human beings. Even electronic music can often involve human influence (it requires a human to compose it!). This can have a huge impact on matters of understanding and practicality. For example, sometimes we seek to achieve certain things in our music and get very specific ideas in our head about how to write them. We might feel very attached to these specific methods but there might be ways to achieve the same musical effects that are easier for musicians to understand. When we compose in ways that give consideration to the musicians who we are writing for, we strengthen our own skills, help create better performances of our music, and create stronger connections with the musicians we have composed for. After all, 3.) the most important thing about what we do is the connections we make with other people and the emotions that we get to share. Performers, conductors, composers, audiences?none can exist without the others. Music is a crucial part of the human experience, and every time we create it together, it is unique and special. I humbly encourage you to treat it this way, and acknowledge how wonderful it is every time you have the chance to create music with other people.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

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