[English is below Japanese]
アメリカの作曲家ノア・ハドソン＝カマック氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。
まだ日本ではあまり演奏されていないかもしれませんが、R&Bなど様々な音楽の要素を取り入れた面白い作品を書く新進気鋭の作曲家です。ぜひご注目いただきたいと思います。
1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？
私はアメリカ南東部のノースカロライナ州で生まれましたが、幼少期は音楽的な兆候はまったくありませんでした。確かに音楽は好きでした。両親の音楽に酔いしれました： R&B、ジャズ、ファンク、ヒップホップが車の中や家の中で私の耳を満たしていました。空いた時間に何時間も熱中した任天堂のゲームのサウンドトラックにも魅了されました。初めて楽器を手にしたのは12歳のときのトランペットで、1年の終わりにはすでに、好きなメディアのテーマを書き写そうとしていました。私にとって本当の転機となったのは、インディーゲーム『Undertale』が大人気となった2016年でした。このゲームは、サウンドトラックのリミックスやカバーを制作するファン・アーティストやミュージシャンの巨大なコミュニティを育み、それが私をMuseScoreに導きました。MuseScoreは、他の人の作品のホスティングサイトであると同時に、自分の音楽を作るためのツールでもありました。最初は主にゲーム音楽の小さなアレンジから始めましたが、1年以内にオリジナル曲を書くようになりました。作曲は小さな趣味としてしばらく続けていましたが、16歳の時に高校のマーチングバンドのショーの音楽をリアレンジすることて初めて趣味以上のものになりました。仲間や先生からの反応がとても良かったので、作曲を仕事にしようと真剣に考えたのです。
2. あなたはいくつかの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？
私が吹奏楽を始めたとき、率直に言って、吹奏楽は私が知っている音楽だったので魅力的でした。芸術音楽の領域で他のアンサンブルに手を広げるにつれ、吹奏楽音楽、音楽家、聴衆がいかに現代的で国際的であるかが気に入っています。特にオーケストラの文化と比較すると、吹奏楽の文化は、現在の音楽や西欧の常識にとらわれない音楽をより容易に推進してくれます。吹奏楽の演奏会では、吹奏楽というメディアの可能性について、私の視野を広げてくれるようなものを必ず聴くことができます。それは色彩や音色の柔軟性についても同様です。楽器の多様性は、雷鳴のような打楽器からささやくような木管楽器まで、可能な音の範囲を無限に広げてくれます。
3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？
私は、できるだけ芸術的に作品を彫るために、いくつかの緩やかなガイドラインに従っています。私にとって最も重要なことは、自分のモチベーション・エコノミーを管理することです。ほんの一握りのアイデアをいかにして完全な作品に仕上げるかが、私の執筆における最大のチャレンジであり、最大のスリルでもあります。最も成功している作品は、わずかな素材から多くの内容を引き出しており、私はそのクオリティを模倣することに全力を尽くしています。同様に、楽器や音色の使い方も注意深く考える必要があります。曲のある時点である楽器を使うか使わないかが、後の決断に影響を与えるはずです。例えば、ある瞬間に低音金管楽器が目立たなかったことが、曲の後半で強力な転覆をもたらすかもしれない。要するに、楽譜の中の音符や休符のひとつひとつが、検討に値する決断なのです。
4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）
2021年に書いた私の作品『Volo Volare』は、私の作曲の旅を予想もしなかった方法で変えてしまいました。私の大学のウィンドシンフォニーのディレクターにこの曲を持って行き、リーディングだけを依頼したのですが、彼はとても感銘を受け、次の演奏会シーズンにこの曲をプログラムしてくれました。すでに私は信じられないほどの幸運を感じていたのですが、その1ヵ月後、彼は全米吹奏楽大会での初演のプログラムに加えるために、この曲を省略できないかと私に尋ねてきました。その作品の短縮版である「Fanfare and Flight」は、その機会のおかげで、私の最も人気のある作品となりました。「Volo Volare」は、それに比べると初演時の反響は小さかったですが、この曲が開いた扉は、私の心の中で常に特別な位置を占めています。
5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）
高校生の頃、私が一番好きだった吹奏楽曲はロン・ネルソンの『ロッキー・ポイント・ホリデー』でした。それは私が自分の音楽に望んでいたものすべてでした。派手で、ハーモニーが豊かで、動機づけされた内容を巧みに扱っています。ジョン・マッキーも同じ理由で早くからインスピレーションを受け、『アスファルト・カクテル』や『ストレンジ・ユーモア』など、彼の音楽に秘められた勢いとパワーが大好きでした。大学に入る頃には、ストラヴィンスキー、ラヴェル、バルトークの作品が、吹奏楽世界の内外で私の作曲を形作るようになりました。彼らのメロディ、調性、オーケストレーションの概念は、私の作風が成熟していくにつれて、私の作品を形作っていきました。クラシックの作曲家の作品と同じように、私はポピュラー音楽、ジャズ、メディアのサウンドトラックからもインスピレーションを受けてきました。ビデオゲーム音楽に関しては、近藤浩治、安藤浩和、桜庭統などの作品は、私が音楽における前景、中景、背景のディテールの関係をどのように考えるかについて、幼い頃から影響を与えてきました。
5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。
ケヴィン・デイは、私のコンテンポラリー・コンポジションの現在のアイドルで、彼は私が数年後にやりたいと思っていることをすべてやっています。ハーモニー、リズム、メロディに対する考え方が似ているように感じるので、自分と比較して彼がどのようなアイディアを持っているのかを聞くのは魅力的です。彼はまた、異なるジャンルや音楽文化の異質な要素を組み合わせるという私の愛情を共有しているようです。オマール・トーマスの作品も同様に、ポスト・ジャンルの観点から音楽にアプローチしていますが、彼のジャズのバックグラウンドが、さらに興味深いレイヤーを与えています。ジャズということでは、サックス奏者で作曲家のカマシ・ワシントンの作品も長い間気に入っています。彼のエレクトロニクスをふんだんに使ったコンポジションは、テクスチャーの深みがあり、しばしばその中に浮遊できるほどの厚みを感じます。
6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。
私の壮大な芸術的目標は、ジャンルの枠をさらに解体し、混沌から生まれる新たな可能性を探求することにあります。私の現在の仕事と研究は、スポークン・ワードと、それをコンサート音楽にどのように取り入れるかについてです。いつか、西洋の常識にとらわれない楽器やテクニックをもっと探求してみたい。トリニダードのスティールパンやサイケデリックなエレキギターをどう扱うか？コロンビアのクンビアとバリのガムランの共通点は何だろう？今後は、より標準的な作品と並行して、このようなつながりを自分の音楽にも取り入れていきたいと思っています。音楽における新たな発見は、既存の美学を結びつけることにあるからです。
7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。
始めるための唯一の方法は、恐れず、期待せずに始めることです。心地よいかどうかに関わらず、耳にするすべてのものを学びの機会と捉えましょう。好きな音楽と、なぜそれが好きなのかを理解するために時間をかけましょう。どんなに小さな音楽でも、できる時に作りましょう。そして何よりもまず、自分のために作りましょう。作曲は他人の承認を得るために取り組む分野ではなく、言葉にできない表現とコミュニケーションの場なのです。
インタビューは以上です。ハドソン＝カマックさん、ありがとうございました！
ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてハドソン＝カマックさんの作品に触れていただきたいと思います。
ハドソン＝カマックさんの作品はWBP Plus!およびGolden Hearts Publications Online Storeでもお取り扱いしています。Golden Hearts Publications Online Storeでは各商品ページ内に参考音源のリンクがありますので、ぜひ聴いてみてくださいね。
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取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
Interview with Noah Hudson-Camack1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?
I was born in North Carolina in the southeastern United States and showed no signs of musicality for much of my early childhood. I certainly enjoyed music. I drank in the music of my parents: R&B, jazz, funk, and hip-hop filled my ears on car rides and around the house. I was also fascinated by the soundtracks of the Nintendo games I poured hours into in my free time. The first time I ever picked up an instrument was the trumpet at age 12, and by the end of my first year, I was already trying to transcribe themes from media I enjoyed. The real inflection point for me was the year 2016, when the indie game Undertale was becoming very popular. The game fostered a giant community of fan artists and musicians creating remixes and covers of the soundtrack, which led me to MuseScore. It was both a hosting site for other people’s creations and a tool for creating my own music. I started with small arrangements of mostly video game music, but graduated to writing original pieces within the year. I continued for some time with composition as a small hobby, it wasn’t until I was 16 when I rearranged the music for my high school’s marching band show that it became more than a hobby. The reaction from my peers and teachers was so great, I seriously considered pursuing composition as a career.
2. You have published some wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?
When I began, frankly, wind band music appealed to me because it was what I knew. As I’ve branched out into other ensembles in the realm of art music, I love how contemporary and cosmopolitan wind band music, musicians, and audiences are. Especially when compared to orchestra culture, wind band culture more readily promotes music of the present and music outside the Western European norm. At a concert of wind band music, I can be sure I’ll hear something that will expand my horizons on what the medium is capable of. That goes double for the flexibility of color and timbre. The diversity of instruments leads to a seemingly endless scope of possible sounds, from thunderous percussion to whispering woodwinds.
3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?
I follow a few loose guidelines to sculpt my pieces as artfully as possible. The most important thing to me is managing my motivic economy. Finding ways to manipulate a small handful of ideas into a full piece is the foremost challenge in my writing, and the greatest thrill too. The most successful pieces get a lot of content out of very little material, a quality I do my best to imitate. Similarly, I need to consider carefully my usage of instruments and timbres. The implication of using or not using an instrument at one point in the piece should impact later decisions. For example, the conspicuous absence of low brass at one moment might inform a powerful subversion later in the piece. In short, every single note and rest in a score is a decision worth consideration.
4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)
My piece Volo Volare, which I wrote back in 2021, altered my composition journey in ways I couldn’t have predicted. I brought the piece to my university wind symphony director to request only a reading, but he was so impressed that he programmed the piece for the next concert season. Already I felt incredibly fortunate, but a month later he asked me if I could abbreviate the piece so he could add it to the program for a premiere at a national band convention. The abbreviated version of that piece, Fanfare and Flight, became far and away my most popular piece thanks to that opportunity. Volo Volare by comparison premiered with a smaller splash, but the doors that piece opened will always give it a special place in my heart.
5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)
As a high schooler, my favorite piece of band music was Rocky Point Holiday by Ron Nelson. It was everything I wanted my music to be: flashy, harmonically rich, and masterful in its handling of motivic content. John Mackey was an early inspiration for much the same reasons, I loved the momentum and power behind his music in pieces like Asphault Cocktail or Strange Humors. By the time I reached university, the works of Stravinsky, Ravel, and Bartok began to shape my compositions inside and outside of the band world. Their conceptions of melody, tonality, and orchestration shaped my works as my style continued to mature. Just as much as the work of classical composers, I’ve been inspired by popular music, jazz, and media soundtracks. In regards to video game music, the works of Koji Kondo, Hirokazu Ando, and Motoi Sakuraba to name a few have influenced from an early age how I conceive of relationships between foreground, middleground, and background details in music.
5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?
Kevin Day is my current contemporary composition idol, he’s doing everything I want to be doing in a few years. I feel that we have similar conceptions of harmony, rhythm, and melody so it’s fascinating to hear where he takes his ideas when compared to myself. He also seems to share my love of combining disparate elements from different genres and musical cultures. The work of Omar Thomas similarly approaches music from a post-genre perspective, but his jazz background lends an additional layer of interest. On the subject of jazz, I’ve also long enjoyed the work of saxophonist and composer Kamasi Washington. His electronics laden compositions have a depth of texture that often feels thick enough to float in.
6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?
My grand artistic goals involve the further dismantling of the bounds of genre and exploring the new possibilities that spring forth from the chaos. My current work and research concerns spoken word and how that might be incorporated into concert music. One day I’d love to explore more instruments and techniques outside of the Western norm. What would I do with the Trinidadian steel pan, or a psychedelic electric guitar? What’s the common ground between Colombian cumbia and Balinese gamelan? I wish to make these sorts of connections in my music going forward alongside my more standard works, for new discoveries in music lie in connecting existing aesthetics.
7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?
The only way to start is to start: without fear and without expectation. Treat everything you hear as a learning opportunity, regardless of whether it’s pleasing or not. Take time to understand your favorite music and why it’s your favorite. Make music when you can no matter how small and make it for yourself first and foremost. Composition isn’t a field one approaches for the approval of others, it’s about expression and communications where words fail.
Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)
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