[English is below Japanese]
指揮者としても活躍するアメリカの作曲家、アンドリュー・ボイセンJr氏（Andrew Boysen Jr.）に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。
日本では彼の作品が演奏される機会は少ないかもしれませんが、「フレンジー」や「ハヴナー・ファンファーレ」といった作品を聴いたことがある方も多いかもしれませんね。CDなどの指揮者名として彼の名前を見たことがある方もいらっしゃるかと思います。
国際的に高く評価されている作曲家だと思うので、この機会に興味を持って頂ければ幸いです。
1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？
私はアイオワ州シーダーラピッズの中産階級の地域で育ち、両親と妹と一緒に暮らしていました。両親はともに教師（音楽ではない）でしたが、ともに音楽の重要なバックグラウンドを持っていました。私と妹は、かなり小さい頃からピアノを習い始め、私にとって作曲は、その最初のピアノレッスンから発展したものでした。ピアノの本の最後で、自分の小品を書くように求められたのですが、それがとても楽しいことに気づきました。すぐにそれが自分の一部となり、すぐに友人のために小品を書き、最終的には学校のバンドで演奏するようになりました。 高校生になる頃には、バンドのために曲を書くようになり、4年生の時には初めての委嘱を受け、初めての曲を出版することができました。
2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。日本でもあなたの吹奏楽作品のファンがいます。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？
私はオーケストラ（管弦楽）よりも学校のバンド（吹奏楽）で育ったので、自然な流れでそうなりました。バンドのサウンドが好きだし、バンドが常に新しい音楽を受け入れ、新しいことに挑戦しようとする姿勢も好きです。作曲家としてもエキサイティングな場所ですし、率直に言って指揮者としても興味がありますから、私にとっては自然な着地点でした。学部を卒業するときに、管弦楽の道に進むか、吹奏楽の道に進むかという決断に迫られた時期がありました。一時は自分の選択は正しかったのかと悩んだこともありましたが、物事には理由があり、自分の選択は絶対に正しかったと実感しています。そして正直なところ、私が本当に好きな音楽のほとんどは、バンドのために書かれたものなのです。
3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？
私はすべての作品において、大規模な建築物としての意味を持ちながら、少量のピッチ素材の一貫したまとまりを維持するような作曲を心がけていると思います。つまり、メロディーの小さな塊をさまざまな方法で再利用しようとするのです。伝統的な方法（転回、逆行、増大、減少）だけでなく、あまり目立たない方法（例えば、作品の主要なキーエリアとしてピッチ素材を使用したり、ハーモニーの基礎として使用したり）でも素材を使用しています。
特に、吹奏楽のために作曲するときは、吹奏楽の持つ素晴らしいカラーパレットを意識しています。また、打楽器は大編成のアンサンブルの最後のフロンティアであり、探求する価値があると思うので、特に注意しています。私は常に、自分が書くものすべてに打楽器を取り入れるための想像力豊かな方法を探しています。
4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）
作曲家として大きなターニングポイントとなった作品がいくつかあると思います。1つ目は「I Am」という作品で、これは私が初めて本格的に委嘱を受けた作品の1つです。他のどの作品よりも、この作品は私を「地図に載せる」ことに成功しました。この作品は、私の師匠たちからの支援もあり、確かに役に立ちましたが、なぜこの作品が流行ったのか、その理由を完全に説明することはできません。でも、この曲がなければ、作曲家としてのキャリアはなかったと思います。また、「I Am」からは、表面的な魅力を保ちつつ、アリアトリー（偶然性）や歌唱などのテクニックを音楽に取り入れることについて、多くのことを教わりました。これは、学校のバンドとつながるための素晴らしい方法であることが判明しました。
私にとっての2つ目のターニングポイントは、交響曲第6番でした。この曲で、自分には大きな形を作り、コントロールする能力があることを知りました。この曲は、抽象的なレベルではまとまりがあり、論理的でありながら、表面的には魅力的であることを、今でも誇りに思っています。この曲では、メロディとハーモニーの素材にアプローチする新しい方法を探りました。このことは、それ以降に書いたほとんどすべての曲に大きな影響を与えています。
5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）
たくさんの作品があります！私は常に他の作曲家や作品から影響を受け、インスピレーションを受けています。
アーロン・コープランド、イーゴリ・ストラヴィンスキー、デヴィッド・マスランカ、ティモシー・マー、ジョン・アダムス、ジョン・コリリアーノなど、多くの作曲家から直接インスピレーションを受けました。もし、ある特定の作品の要素からインスピレーションを受けたとしたら、それはレオ・ブラウワー（Leo Brower）による『Cancion de Gesta』で、この作品はアメリカン・ウィンド・シンフォニーからの委嘱作品ですがあまり知られていない。この作品には、非常に多くのクールなテクニックが使われていて、私はこの作品を見て多くを学び、自分の作品に何度かそのアイデアのいくつかを自分なりに取り入れることができたのです。
5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。
吹奏楽の世界では、ニューハンプシャー大学の私のアンサンブルが最近、エリカ・スヴァノー（Erika Svanoe）の音楽を録音しました。また、最近、ジョセリン・ハーゲン（Jocelyn Hagen）をキャンパスに迎えましたが、彼女の音楽にも同様に興奮しています。バンドのための作曲という点では、素晴らしいことをしていると思う元生徒が何人かいて、ポール・クレイヴンス（Paul Cravens）、スペンサー・ワイルス（Spencer Wiles）、カール・ブレンチ（Karl Blench）、マイケル・シュン（Michael Shun）などがいる。彼らのウェブサイトを見て、すでに作曲したものをチェックすることは、誰にとっても時間の価値があることでしょう。
6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。
確かに、私は何よりもそれを楽しんでいるので、プログラムがまだ彼らのグループのために私の作曲に興味を持っていることを望みます。もし機会があれば、もっと大規模な作品を書いてみたいですね。将来の交響曲のアイデアはたくさんありますし、ラジオドラマとして機能するようなアイデアや、ミュージカル劇場の世界から影響を受けたアイデアもあります。また、映画やビデオに付随する音楽ももっと書き続けたいですね。
7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。
次のようなことを提案します：
1. 最初は何を書いているのかあまり気にしないでください。ただ何かを書いて、それを完成させる。これは、自分に偽の締め切りを課すことを意味するかもしれませんが、実際に作品を完成させることを保証する唯一の方法かもしれません。これが最大のハードルであり、ほとんどの若手作曲家の足を引っ張る要因です。だから、あなたのプロジェクトが何であれ、必ず完成させましょう！
2. たとえそれが、誰かのために曲を演奏したり、自分のアンサンブルでプログラミングしたりするような簡単なものであっても、自分の音楽を世に送り出す方法を見つけよう。他人と共有するという行為は、作曲家として大きな前進であり、重要な学習経験でもあります。
3. できるだけ多くの音楽を聴き、吸収し、他の作曲家の作品が自分の作曲にどのようなインスピレーションを与えてくれるのか、試してみてください。
4. 書き続けてください！吹奏楽界はますます大きくなり、私たちのジャンルに貢献する世界中の独立した声を切実に必要としています。
インタビューは以上です。ボイセンJrさん、ありがとうございました！
ボイセンJrさんの作品の一部はWind Band Pressのストア「WBP Plus!」でもお取り扱いしています。Yahoo!ショッピング店の商品ページからはYou Tubeにリンクがありますのでぜひ聴いてみてください。
また、最近のボイセンJrさんの作品は彼のウェブサイトから購入できるようです。ぜひチェックしてみてください。
取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
Interview with Andrew Boysen Jr.
1.First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?
I was raised in Cedar Rapids, Iowa, in a middle-class neighborhood where I lived with my parents and sister. My parents were both teachers (not music), but both had a significant background in music. My sister and I started piano lessons when we were fairly young and composition, for me, was an outgrowth of those initial piano lessons. At the end of one of my piano books, I was asked to write my own little piece and I discovered that I really enjoyed it. Quickly it became a part of who I was and I soon was writing little pieces for my friends, and eventually for my school band. By the time I was in high school, I was writing for the band and during my senior year received my first commission and had my first piece published.
2. You have published many wind band works. There are fans of your wind band works in Japan. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?
I grew up in the school band more so than the orchestra, so it was natural for me. I love the sound of the band, and I love that the band is constantly embracing new music and willing to try new things. It is an exciting place as a composer, and frankly it also interests me as a conductor, so it was a natural landing spot for me. There was a time when I was finishing my undergraduate degree that I faced the decision of whether to go on in orchestral music or wind band music. For a time I wondered if I had made the right choice, but I have realized that these things happen for a reason and that I absolutely made the right choice. And honestly, most of the music that I really love was written for the band.
3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?
I think with all of my pieces, I try to compose something that makes sense in terms of a large-scale architecture, but also maintains a consistent and cohesive use of a small amount of pitch materials. This means that I try to reuse a small chunk of melodic material in different ways, both using that material in traditional ways (inversion, retrograde, augmentation, diminution) but also in less obvious ways (using the pitch material as the major keys areas of the work, for instance, or using it as the basis for the harmonies).
In particular, when composing for the wind band, I try to keep in mind the incredible color palette that is available in that ensemble. I also definitely give special attention to the percussion, which I think is really the last frontier for large ensembles and one that is well worth exploring. I am always looking for imaginative ways to incorporate the percussion into everything that I write.
4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)
I think there are a couple of pieces that were serious turning points for me as a composer. The first was the piece I Am, which was one of my first real commissions. More than any other piece, this one put me “on the map.” It received some support from my mentors, and that certainly helped, but I can never fully explain why that piece caught on. I definitely would not have a career as a composer without that piece though. I Am also taught me a lot about incorporating techniques like aleatory and singing into my music while maintaining something that was still appealing on the surface level. This turned out to be a great way to connect with school bands.
The second turning point for me was my Symphony No. 6. This piece showed me that I really had the capability to shape and control a larger form. I am still proud of how cohesive and logical that particular piece is at an abstract level while still being appealing at the surface level. In this piece, I also explored new ways to approach my melodic and harmonic materials, something which has greatly influenced almost every piece I have written since then.
5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)
There are TONS of pieces here! I am constantly influenced and inspired by other composers and works.
I have had direct inspiration from composers such as Aaron Copland, Igor Stravinsky, David Maslanka, Timothy Mahr, John Adams, John Corigliano, and many others. If I have been inspired by elements of one particular piece more than any other, it would be Cancion de Gesta, by Leo Brower, a little-known commission from the American Wind Symphony. There are so many cool techniques used in that piece, and I learned a lot by looking at it and have managed to incorporate some of those ideas in my own way several times in my own pieces.
5-b. Apart from the above, would you tell me about any other contemporary composers that you are paying attention to, along with the reasons why?
In the wind band world, my ensemble at the University of New Hampshire recently recorded the music of Erika Svanoe, and I am very excited about her music. We also recently had Jocelyn Hagen on campus, and I am equally excited about her music as well. I have several former students who I believe are doing amazing things in terms of writing for band and they include Paul Cravens, Spencer Wiles, Karl Blench, and Michael Shun, among others. It would be well worth the time for anyone to go to their websites and check out some of what they have composed already.
6. Would tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?
Certainly, I hope that programs are still interested in having me write for their groups as I enjoy that more than anything else. If I have the opportunity, I would definitely be excited to write some more large-scale works….I have lots of ideas for future symphonies and also some ideas that might function as a radio play or with influence from the world of musical theater. I would also like to continue writing more music to accompany film and video, as that is a different sort of challenge every time I do it.
7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?
I think I would suggest some of the following:
1. Don’t worry too much about what you are writing at first. Just write something and finish it. This may mean that you have to impose a fake deadline on yourself, but it might be the only way to guarantee that you actually finish your piece. This is the single biggest hurdle and the one that stops most young composers. So whatever your project is, make sure you finish it!
2. Find a way to put your music out into the world, even if it is as simple as playing your piece for someone else or programming it with your own ensemble. The act of sharing it with others is a tremendous step forward as a composer and an important learning experience.
3. Listen to and absorb as much music as you can and try to see how the works of other composers can inspire you in your own writing.
4. Please keep writing! The wind band world is becoming larger and larger, and we desperately need independent voices from all over the world to contribute to our genre.
Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)
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