「誰かが演奏してくれることを期待して、デジタル形式で楽譜を送ってはいけません」作曲家インタビュー：ネルソン・ジェズス氏（Nelson Jesus） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

ポルトガルの作曲家ネルソン・ジェズス氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

Wind Band Pressと同じくONSAが運営する各ストアではMurphy Music Pressを通じて彼の作品の一部を輸入販売しています。

「ウルフ・ティアーズ」が第1回WASBE国際作曲コンクールで2位を受賞するなど、注目していただきたい作曲家です。

Golden Hearts Publicationsのストアでは各作品の参考音源が商品ページ内にあります。
インタビューと合わせて、ぜひチェックしてみてください。

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1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私が音楽を始めた頃の道のりは少々変わっていて、誰にもお勧めはしません。しかし、今では、まさにこの道こそが私を形作ったのだと確信しています。家族に音楽家はおらず、アマチュアのコミュニティバンドで演奏を始めました。Ebクラリネットを習い始めましたが、高音域のキーがなく、普通のケーンで作ったリードを使っていたので、口の中が感染症になってしまいました。当時、真新しいEbクラリネットのリードは近くにありませんでした！幸いにも指揮者が変わり、サクソフォーンに移りました。
音楽院で正式にサクソフォーンの勉強を始めたのは16歳の時で、すでに数年遅れていました。しかし、音楽分析とステージでの存在感において、ある程度の才能があることに気づきました。ステージに立つのが大好きです（作曲家として今一番恋しいのは、おそらくそれでしょう）。
一方、まだバンドに所属していた頃は、行進曲を手書きで模写し、理論を学び始めました。最初の行進曲を書き、音楽院では友人のためにデュエット曲や小さな室内楽作品を作曲し始めました。その後、プロの音楽家として活動しながらも、趣味として作曲を続けていましたが、徐々にバランスが変わり、パンデミックをきっかけに作曲家として専業で活動するようになりました。
一つ興味深い点があります。私のサクソフォーンの音数が少なかったことが、ハーモニーを完成させるために他の楽器を探すきっかけになったのです。実は、これが私の最初の対位法の勉強のきっかけでした。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

吹奏楽で音楽の道を歩み始めた私にとって、この音楽媒体への親和性はごく自然なものでした。私の国には、特に地方には多くの吹奏楽団がありますが、オーケストラはほとんどありません。田舎育ちの私が初めてオーケストラを生で聴いたのは19歳の時でした。吹奏楽団がなかったら、たとえ編曲版であっても、偉大なクラシック音楽を生で聴くことはおそらくなかったでしょう。
吹奏楽の音楽で私が最も魅了されるのは、何よりもその色彩の豊かさです。音色の可能性や様々な楽器群の対比を探求するのが好きだったため、何年もの間、私は作曲家よりもオーケストレーターの方が得意だと思っていたほどです。しかし、時が経つにつれ、非常に現実的なことにも気づきました。多くのオーケストラ作品は初演の時しか演奏されないのに対し、吹奏楽作品は初演後もずっと芸術的な生命を吹き込まれる傾向があるということです。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

私にとっての基本的な原則の一つは、吹奏楽団は「管楽器と管楽器がぶつかり合う」という考えであり、これはホールにおける音の伝わり方に直接影響を与えます。私は録音された音楽を聴くのが嫌いです。私は生演奏のために作曲するのですが、それはリスクとエラーの可能性を伴います。そのため、過度なダブリングは避け、バンド内のソリストや小規模な室内楽グループと組むことが多くなります。これは、聴き手の耳が疲れないようにし、能動的で集中したリスニング体験を維持するためです。
同じ原則を打楽器にも適用しています。吹奏楽団の音楽は、他の音色の可能性がたくさんあるにもかかわらず、スネアドラム、バスドラム、シンバルで過剰に演奏されがちです。これは私が常に意識していることであり、アドバイスを求めてきた人には常に伝えています。
また、テクスチャを丁寧に扱うことも好きで、非常にシンプルなセクションからより複雑な瞬間まで、常に音の明瞭さと音楽的な息づかいを意識しながら構築しています。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

長年、私は作曲家として提供したい作品を書き続けてきましたが、結局誰も演奏してくれませんでした。初めての国際賞受賞は転機となりました。その瞬間から、より大きな責任感と新たな存在感を感じるようになったからです。その作品は「バスドラムのための小協奏曲」作品12でした。
これはやや物議を醸した作品でしたが、物議を醸すことは良いことであり、人々が私たちの作品に関心を持ち、議論するきっかけになると信じています。また、この作品には奇妙なエピソードもありました。当時最も重要な国内作曲コンクール（賞金1000ユーロ）で敗退したものの、別の国際コンクールで優勝し、賞金1万ユーロを獲得したのです。この経験は、私にとって芸術的にも個人的にも、非常に大きな影響を与えました。
また、「郷愁の港（Porto de Saudades）」という作品もあり、これは世界中で演奏されました。この作品には愛憎入り混じった感情があります。今ではあのスタイルで作曲していないにもかかわらず、この作品をきっかけに委嘱の依頼を受けることが多いのです。それでも、それは作曲家としての私のささやかな国際化の始まりを示すものだったので、基本的なものでした。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

私の音楽に影響を与えたものは、通常、いくつかの要素に分けられます。まず、私は常に偉大なオーケストラのレパートリー、特に19世紀後半から20世紀初頭にかけて様々な国の作曲家によって制作された大規模なオーケストラ作品を熱心に聴き、熱狂してきました。この経験を通して、オーケストラの壮大な色彩と、大規模な音楽のドラマツルギーを理解することができました。
また別の観点から言えば、独自の民族音楽を収集し、それらを自身の芸術的声と使命へと昇華させた作曲家たちから強い影響を受けています。私の音楽は、ある意味でこの影響を受けており、伝統的な音楽素材を通して文化的アイデンティティと表現力を重視する点にその影響が見られます。
最後に、主に技術的なレベルで影響を受け、彼らの楽譜を詳細に研究するようになった作曲家たちもいます。ストラヴィンスキーの時代を過ぎると（それはほぼ避けられないことですが）、私はアルフレート・シュニトケ（私のお気に入り）、アルバン・ベルク、ソフィア・グバイドゥーリナ、リゲティ、ベリオの作品に焦点を当て、技術的な繊細さや対位法、音色の解決策を探求し、自分自身の作曲リソースを拡大するきっかけを作りました。

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

私に永続的な影響を与え、今もなお高い意義を持つ現代作曲家の一人がカイヤ・サーリアホです。私は幸運にも彼女にレッスンを受け、管弦楽曲の作曲において彼女の指導を受けることができました。この経験を通して、人間と音楽の素晴らしい関係性を知ることができ、彼女のアプローチは今もなお私に深いインスピレーションを与え続けています。
また、カーター・パンの管弦楽曲も大変気に入っており、非常に独創的で魅力的です。彼の室内楽も大変気に入っています。室内楽は、全く異なる視点を持ちながらも、同様に刺激的な作品です。
他に、イェルク・ヴィトマンと藤倉大も、並外れた想像力を持つ作曲家であり、私にインスピレーションを与えてくれます。彼らの楽譜を研究することは、常に私の創作活動への洞察とモチベーションの源となっています。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

当面はフリーランスとして仕事を続け、家族と過ごす時間を増やし、大好きな街での生活に充てたいと思っています。また、中期的には国際化にも力を入れていきたいと考えています。成長するためには、この小さいながらも偉大な母国を離れ、さらに活動を広げていく必要があるからです。音楽面では、室内楽と合唱にさらに力を入れ、交響曲の連作を続けていきたいと思っています。さらに、ポルトガルの主要軍楽隊のコンポーザー・イン・レジデンスとして新たなプロジェクトも計画しています。そこでは、軍楽隊と新たな音楽体験の両方において、芸術的可能性を大いに探求できるでしょう。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

私の作品はいくつかの国で演奏されていますが、それは主にヨーロッパで、他の国ではたまに演奏されます。私は日本の音楽教育とその質を非常に高く評価しており、ロールモデルとなる優れた日本の作曲家は確かにたくさんいます。これが実は私の最初のアドバイスであり、私自身もまさにそうしました。あなたの国の作曲家や指揮者に連絡を取ってみてください。彼らの多くはフィードバックをくれるでしょう。私は尊敬する作曲家に手紙を書きました。肯定的な反応も否定的な反応も受け取りました。これはプロセスの一部です。今でも同じことをしていますが、今度は若い作曲家への返信という形で、反対側から返信しています。
しかし、基本的に皆さんにお伝えしたいアドバイスが一つあります。誰かが演奏してくれることを期待して、デジタル形式で楽譜を送ってはいけません。楽譜とパート譜はできる限り印刷しましょう。そして、最初は提供しましょう（ただし、2回目は原価であっても販売しましょう）。PDFで提供することは、フォルダーに入れて忘れ去られるようなものです。印刷された楽譜を提供することは、すでにリハーサルで読まれる段階に近づいているのです。

追加情報：
約18年前、日本でインターンシップをする機会がありました。ポルトガル駐在の日本大使館と日本駐在のポルトガル大使館から奨学金が発表されたので、応募することにしました。Bravo Musicの「Japan’s Best」という日本の吹奏楽コンクールのDVDを見て、とても感銘を受けたので、ボランティアとして日本に行き、この魅力的な音楽の世界を観察、報告し、もっと学びたいと思いました。
インターンシップは6ヶ月間続き、ホストファミリーと暮らす予定でした。インターンシップは採用されましたが、その間にポルトガルの軍楽隊に就職したため、インターンシップには参加できませんでした。インターンシップは学生のみを対象としており、社会人を対象としていなかったからです。

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インタビューは以上です。ジェズスさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてジェズスさんの作品に触れていただきたいと思います。

ジェズスさんの作品の一部はWBP Plus!およびGolden Hearts Publications Online Storeでもお取り扱いしています。

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（商品ページ内に参考音源がございます）

その他、ジェズスさんの情報は公式サイトへどうぞ。
http://www.nelson-jesus.com/

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取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
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Interview with Nelson Jesus, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

My early musical path was somewhat unusual, and I would not recommend it to anyone; however, I now know that it was precisely this path that shaped me. There were no musicians in my family, and I began in an amateur community band. I was given an Eb clarinet to learn on, but the instrument did not have the keys to the high register, and I had reeds made from regular canes, and my mouth went infected There were no brand new be clarinet reeds nearby at the time! Fortunately, the conductor changed and I moved on to the saxophone.
I only began formal saxophone studies at a conservatory at the age of 16 – already several years behind – but it turned out that I had some abilities, particularly in musical analysis and stage presence. I love being on stage (which is probably what I miss most now as a composer).
Meanwhile, still in the band, I started copying marches by hand and learning some theory. I wrote my first march, and at the conservatory I began composing duets and small chamber works for friends. Later, as a professional musician, I continued composing as a hobby until, little by little, the balance shifted and, with the pandemic, I began working exclusively as a composer.
One curious detail: it was precisely the fact that my saxophone could not produce many notes that led me to search for others to complete the harmony. That was, in fact, my first school of counterpoint.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

As I began my musical path in wind bands, this affinity for the medium feels quite natural to me. My country has many bands, especially in rural areas, and very few orchestras. Coming from a rural background, my first live encounter with an orchestra only happened when I was 19 years old. If it were not for bands, I probably would never have heard the great classics live – even if only in transcriptions.
What fascinates me most about wind band music is, above all, the palette of colors. For several years I even thought I was a better orchestrator than composer, precisely because I loved exploring the timbral possibilities and the contrasts between the different instrumental families. Over time, however, I also realized something very practical: while many orchestral works are performed only at their premiere, band works tend to continue their artistic life far beyond that.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

One fundamental principle for me is the idea that a wind band is wind against wind, and this directly influences how sound travels in the hall. I hate listening to recorded music; I write for live music, with risk and the possibility of error. For this reason, I avoid excessive doubling and often work with soloists and small chamber-music groups within the band. I do this so that the listener’s ear does not become fatigued and to maintain an active, focused listening experience.
I apply the same principle to percussion. Wind band music is often overloaded with snare drum, bass drum, and cymbals, even though there are so many other timbral possibilities. This is something I think about consciously and that I always pass on to those who ask me for advice.
I also enjoy working carefully with textures, building both very simple sections and moments of greater complexity, always with the idea of sonic clarity and musical breathing.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

For many years, I wrote pieces that I would offer, but no one ended up performing them. My first international prize was a turning point, because from that moment I began to feel a greater sense of responsibility, as well as a new visibility. That work was the Concertino for Bass Drum, Op. 12.
It was a somewhat controversial piece – and I believe controversy can be positive, as it forces people to engage with and discuss our work. It was also significant because of a curious episode: it lost the most important national composition competition at the time (with a prize of one thousand euros) but won another international competition with a prize of ten thousand euros. That experience was extremely formative for me, both artistically and personally.
There is also another work, Porto de Saudades, which ended up being performed all over the world. I have a love/hate relationship with it: many people approach me for commissions because of this piece, even though I no longer write in that style. Nevertheless, it was fundamental, as it marked the beginning of my modest internationalization as a composer.

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

I usually divide the influences on my music into different strands. On one hand, I have always been a devoted listener and enthusiast of the great orchestral repertoire, especially the large-scale orchestral works of the late 19th and early 20th centuries, by composers from various countries. This experience helped me understand the grandeur of orchestral colors and the musical dramaturgy on a large scale.
From another perspective, I have been strongly influenced by composers who collected their own folklore and transformed these traditions into their personal artistic voice and mission. My music, in a way, draws on this influence, in the way I value cultural identity and expressivity through traditional musical material.
Finally, there are composers who influenced me primarily on a technical level, leading me to study their scores in great detail. Beyond the Stravinsky period, which is almost inevitable, I focused on works by Alfred Schnittke (my favourite), Alban Berg, Sofia Gubaidulina, Ligeti and Berio, exploring technical subtleties and contrapuntal and timbral solutions that inspired me to expand my own compositional resources.

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

One contemporary composer who has had a lasting impact on me, and whose music remains highly relevant, is Kaija Saariaho. I was fortunate to have lessons with her and to receive her guidance while composing an orchestral piece. That experience revealed an extraordinary relationship between humanity and music, and her approach continues to inspire me deeply.
I also greatly enjoy the orchestral music of Carter Pann, which I find highly original and engaging, as well as his chamber music, which offers a very different but equally inspiring perspective.
Other composers with remarkable imagination who inspire me are Jorg Widmann and Dai Fujikura – studying their scores is always a source of insight and motivation for my own writing.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

For now, I will continue my work as a freelancer, which gives me more time for my family and to live in the city I love. I also plan to focus on my internationalization in the medium term, because in order to grow, I need to go increasingly beyond my small – but great – country. Regarding my music, I want to devote myself more and more to chamber and choral music and continue my cycle of symphonies. I also have on the table a new project as composer-in-residence with a major Portuguese military band, where I will be able to explore a great deal of artistic potential, both for the band and for new musical experiences.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

My works happen to be performed in several countries, but mainly in Europe and only occasionally elsewhere. I have a very high opinion of music education and its quality in Japan, and there are certainly many excellent Japanese composers who can serve as role models – that is actually my first piece of advice, and it is exactly what I did myself. Contact your composers and conductors. Many of them can give you feedback. I wrote to composers I admired: I received both positive and negative responses. That is part of the process. I still do the same today, only now from the other side, responding to younger composers.
But essentially, there is one piece of advice I give to everyone. Do not send your music in digital format expecting someone to perform it. Print your scores and parts – as well as you possibly can. Then, yes, offer them the first time (but sell them the second time, even if only at cost). Offering a PDF is asking to be forgotten in a folder. Offering printed music is already halfway to being read in a rehearsal.

Extra info
About 18 years ago, I had the opportunity to do an internship in Japan. A scholarship became available through the Japanese Embassy in Portugal and the Portuguese Embassy in Japan, and I decided to apply. I had watched some Bravo Music DVDs about Japan’s Best, the band competitions in Japan, and was so inspired that I wanted to go there as a volunteer to observe, report on, and learn more about this fascinating musical world.
The internship would have lasted six months, and I would have lived with a host family. I was accepted, but in the meantime, I took a job with a military band in Portugal and was ultimately excluded from the internship, as it was only open to students, not working professionals.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

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