「柔軟性、そして無限の可能性こそが、吹奏楽のための作曲における刺激的で魅力的な点なのです」作曲家インタビュー：ロシャンヌ・エテザディ氏（Roshanne Etezady） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

アメリカの作曲家ロシャンヌ・エテザディ氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

Wind Band Pressと同じくONSAが運営する各ストアではMurphy Music Pressを通じて彼女の作品の一部を輸入販売しています。

インタビューと合わせて、ぜひチェックしてみてください。

———-

1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私はアメリカ合衆国北東部、ペンシルベニア州フィラデルフィア郊外で育ちました。フィラデルフィア郊外はニューヨーク市から南へ約90分のところにあります。家族は郊外に住んでいたので、1980年代のアメリカの郊外生活が私の骨の髄まで染み付いているような気がします。幼い頃、たぶん4歳か5歳くらいの時にピアノを始めましたが、正直に言うと、おそらく早すぎたのでしょう。あらゆる悪い癖がついてしまいましたから。スクールバンドに入ったのは9歳か10歳くらいの時で、その時にフルートを始めました。実はホルンも考えていたのですが、母がフルートを勧めてくれたので、鍵盤をカチカチ鳴らしてかっこいい音を出せるのが気に入ってフルートを選びました。もちろん、当時はそれがフルートの一般的な「拡張奏法」だとは知りませんでしたが！

私は10代の頃からフルートに真剣に取り組み、地元、地区や州のユースオーケストラ、コンサートバンド、吹奏楽団で演奏していました。私はいつもパートの中で変わった子で、歌いながらフルートを吹いたりといった奇妙なことをしていました。今思えば、何が起こっていたのかは明らかです！ある時、フルートの先生から「真剣に音楽の道に進みたいなら、音楽理論を勉強し始めるべきだ」と言われたので、そうしました。そして、その理論の勉強から作曲を始めました。17歳頃、夏の音楽プログラムに応募していたのですが、フルートと作曲の両方のポートフォリオを提出しました。フルート奏者としてではなく作曲家として合格し、それがきっかけで作曲に夢中になりました。

10代の頃、フルート奏者として吹奏楽の定番レパートリーをいくつか知り、現代作曲家や存命の作曲家の作品を初めて演奏しました。吹奏楽のための作品を初めて書いたのは30代になってからでしたが、その時も、若い頃の音楽家としての記憶や経験が、作曲の旅路を歩む上で大いに役立ちました。今では私の子供も10代になり、スクールバンドでホルンを演奏しています。彼が定番レパートリーを学んでいく過程を見守ることができ、まるで人生が一周したような感覚です。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

吹奏楽のための作曲で私が最も気に入っているのは、吹奏楽文化の一員になれる機会があることです。吹奏楽の世界には独特の「イエス、アンド」文化（https://en.wikipedia.org/wiki/Yes,_and_…）があることに気づいたのは私だけではありません。人々は何事にも「イエス」と言いたがるのです！舞台裏のトランペットが欲しいですか？はい、できますよ！パーカッション奏者を14人欲しいですか？はい、素晴らしいですね！エレキギター、映像投影、ナレーター、あるいは他の文脈では絶対に受け入れられないような要素が欲しいですか？吹奏楽の世界では、問題ないどころか、さらに一歩踏み込んできます。エレキギターが欲しいなら、エレキギターと（例えば）バグパイプも一緒に入れたらどうでしょう？特に、突飛なアイデアを丁寧に「ノー」と断られることに慣れている作曲家にとっては、素晴らしい文化です。

吹奏楽には「これといった形」というものがなく、そのアイデンティティが柔軟である点も素晴らしいと思います。各パートに1人か2人ずつのシンフォニエッタ規模のアンサンブルにもなり得ますし、オーケストラのような管楽器編成にもなり得ます。さらに、18本のBb クラリネット、8本のホルン、15本のフルートなど、巨大な編成にもなり得るのです！この柔軟性、そして無限の可能性こそが、吹奏楽のための作曲における刺激的で魅力的な点なのです。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

面白いことに、初めて吹奏楽曲（2005年の「アナヒタ」（https://www.youtube.com/watch?v=UmpoQW-Wtro））を書いたとき、他の吹奏楽曲の楽譜をたくさん研究して、アンサンブルのための優れた作曲法の「秘訣」を解き明かそうとしたのを覚えています。しかし、すぐに膨大なレパートリーと選択肢に圧倒されてしまい、最終的には「もういいや、好きなように書こう」と諦めて、他の作曲家が「正しい」としてきたことにはこだわらないようにしました。そのおかげで、この曲には非常に印象的で特徴的なオーケストレーションの瞬間がいくつかあると思いますが、もし「正しい」やり方をしようとしていたら、それらは実現しなかったかもしれません。

ですから、あなたの質問に対する私の答えは、吹奏楽のための作曲に関する私のルールは、これまで何度も自分の生徒たちに伝えてきたものと同じです。つまり、他の音楽と同じように作曲すればいいのです。これは音楽なのですから！「吹奏楽」ではなく、ただ音楽を作曲すれば、出来上がった作品に満足できる可能性が高くなり、斬新で個性的な音やアイデアを生み出す可能性も高まります。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

この質問には思わず笑ってしまいます。実はいくつかあるんです！どこから話せばいいのか分かりませんが、私の音楽的ルーツを形成した作品はいくつか思い浮かびます。まず最初に思い浮かぶのは、特定の作品というよりは出来事です。私がまだ10代前半の頃、アメリカのスケッチコメディ番組「サタデー・ナイト・ライブ」でフィリップ・グラスとそのアンサンブルの演奏を観ました（https://www.facebook.com/share/v/1AX1s1UKWm/）。この番組の音楽ゲストはいつもビリー・アイリッシュ、テイラー・スウィフト、ブルーノ・マーズといったポップアイドルばかりなので、今思えば「クラシック」音楽が番組に出演するなんてクレイジーですよね！でも、それまであんな音楽を聴いたことがなかったので、翌日、母に頼んでモールまで車で送ってもらい、レコード店に行って「Songs from Liquid Days」というアルバムを買いました。それが、私にとって現代クラシック音楽への入り口のようなものでした。

そこから次に私が本当に「なるほど！」と思わせてくれた作品の一つが、デイヴィッド・ラングの『Cheating, Lying, Stealing』（https://davidlangmusic.com/music/cheating-lying-stealing/）でした。それまでにも好きな作品はありましたが、この作品は初めて私の心を揺さぶった作品の一つでした。「えっ、こんなこと許されるの？？」という感じでした。実は、この作品は私が作曲家としての自分を真に表現していると感じた最初の作品の一つにインスピレーションを与えてくれたのです。

吹奏楽の話になりますが、ストラヴィンスキーの管楽器のための交響曲（https://www.youtube.com/watch?v=72V_OTSiAkM）を初めて聴いた時のことを覚えています。複数の音楽的アイデアが次々と現れながらも、互いに影響し合ったり、曲の中で伝統的な展開を見せたりしないという発想に、私は衝撃を受けました。動機の展開と飽和こそが音楽的成果の最高峰であるという考え（ベートーヴェン先生、ありがとう！）が私の中に深く根付いていたため、学生だった私には、それ以外の可能性など考えも及ばなかったのです。この作品は、いわば「リンゴの皮をむく方法はいくつもある」ということを私に気づかせてくれた、重要な一歩でした。

5. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

前の質問への回答で少し触れたかもしれませんが、素晴らしいアメリカ人作曲家ジュリア・ウルフについても触れておきたいと思います。彼女のオラトリオ『Anthracite Fields』（https://juliawolfemusic.com/music/anthracite-fields/）は2015年にピューリッツァー賞を受賞しました。彼女の音楽は私にとって尽きることのないインスピレーションの源です。最近、彼女の作品『Forbidden Love』（https://www.youtube.com/watch?v=uAbXpdJsA6E）を聴きました。これは打楽器四重奏のために書かれた作品ですが、弦楽四重奏の楽器を使用しています。つまり、各打楽器奏者に弦楽器が割り当てられ、弦楽器奏者ではなく打楽器奏者のように音を奏でるのです。素晴らしい！彼女の作品には好奇心、技巧、ドラマ、そして真摯な表現力が溢れており、本当に刺激的で、とてもワクワクします。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

もし差し支えなければ、まず最初に申し上げたいのは、日本へ旅行して、世界的に有名な音楽家の方々と共演したいということです。私はまだ日本に行ったことがなく、いつかその機会に恵まれることを夢見ています。

作曲に関しては、今後も演奏に情熱を注いでくれる方々のために作曲を続けていきたいと思っています。管楽器のための作品、もしかしたら交響曲やその他の大規模な作品も書き続けたいと思っていますし、ピエロの六重奏曲や弦楽四重奏曲など、新しい室内楽曲もレパートリーに加えたいと考えています。最近は、オラトリオやオペラのような劇的な声楽曲を書いてみたいという気持ちもありますが、今後の展開に期待しています！

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

そう言ってくださって、本当にありがとうございます。教師として、作曲家を目指す生徒たちにいつも言っているのですが、作曲家になるのに許可や特別な資格は必要ありません。一番大切なのは、作曲することです！こう言うと簡単そうに聞こえますが、もちろん、そんなに簡単なら誰もが作曲しているでしょう。作曲家になるには、作曲の過程にも自分自身にも忍耐強く、粘り強く取り組む必要があります。それに、作曲は大変な作業なので、楽しんで取り組むことも大切です。過程を楽しめれば、仕事の満足度も高まりますからね。

若い作曲家には、できるだけ多くの音楽を聴き、あらゆるものから貪欲にアイデアを吸収してほしいと思います。もしかしたら、お気に入りの曲ではないけれど、作曲家が生み出す音色やオーケストレーション全般に感銘を受ける曲もあるかもしれません。そんな時は、それを頭に刻み込んでおきましょう！お気に入りのポップソングの中に、聴くたびに心を躍らせるような制作技法があるかもしれません。それを心に留めておきましょう！音楽について、あなたをワクワクさせ、興味をそそるものを集めておき、インスピレーションを探している時にそれらを思い出してみてください。

最後に、そして最も重要なことですが、ものづくりが好きで、コラボレーションを愛する人々で構成されたコミュニティを築きましょう。作曲家はもちろんのこと、指揮者や演奏家、詩人、画家、作詞家、職人、俳優など、あらゆる分野の人々が集まるコミュニティです。彼らはあなたにとってかけがえのない仲間であり、生涯を通じて共に学び、成長していくでしょう。

—–

インタビューは以上です。エテザディさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてエテザディさんの作品に触れていただきたいと思います。

エテザディさんの作品の一部はWBP Plus!およびGolden Hearts Publications Online Storeでもお取り扱いしています。

→WBP Plus!本店はこちら
（商品ページ内に参考音源がございます）

→WBP Plus!楽天市場店はこちら

→Golden Hearts Publications Online Storeはこちら
（商品ページ内に参考音源がございます）

その他、エテザディさんの情報は公式サイトへどうぞ。
https://www.roshanne.com/

———-
取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
———-

Interview with Roshanne Etezady, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I grew up in the Northeastern part of the United States, outside Philadelphia, Pennsylvania, which is about an 90 minutes south of New York City. My family was in the outer suburbs, and I feel like the 1980s American suburban lifestyle is deep in my bones. I started playing piano as a small child, maybe 4 or 5 years old, and to be honest, it was probably too young, because I acquired all kinds of terrible habits. My school band program began when I was about 9 or 10 years old, and that’s when I started playing flute. Actually, I considered picking horn, but my mother encouraged me to go with flute, and I did because I liked that you could make cool sounds by clicking the keys — of course, not realizing at the time that this is a common “extended” technique for flute!

I became a rather serious teenage flute player, and played in youth orchestras, concert bands, and wind ensembles at the local, district, and all-state level. I was always the weird kid in the section who was making things up and doing strange things like singing and playing the flute at the same time — in retrospect, it’s clear what was going on! At one point, my flute teacher said to me, if you’re serious about going into music, you should start studying some music theory, so I did, and out of those theory studies, I began to compose pieces. Around the time I was 17, I was applying to summer music programs, and I submitted a portfolio for flute as well as composition. I was accepted as a composer and not as a flutist, and one thing led to another, and I got hooked on composing.

It was as a teenage flute player that I got to know some of the standard repertoire pieces of the wind band canon, and where I played some of my first pieces by contemporary and living composers. It wasn’t until I was in my 30s that I wrote my first piece for wind band, but even then, I drew on my memories and experiences as a very young musician as I embarked on that journey. My own child is now a teenager, playing horn in his school band, and I have the opportunity to witness the process of him learning some of the standard repertoire works. It’s like things have come full circle.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

What I love most about writing for wind band is the opportunity to be part of the wind band culture. I’m not the first person to notice that in the band world, there’s a distinct “yes, and” culture — people want to say “yes” to things! Do you want offstage trumpets? Yes, we can do that! Do you want 14 percussionists? Yes, that sounds great! Do you want electric guitar, or visual projections, or a narrator, or some other element that in a different context would be a dealbreaker? In the band world, not only is it no problem, they’ll take it to the next level: you want electric guitar, but what if we had electric guitar AND (for example) bagpipes? It’s a terrific culture, particularly for composers who are often used to having wild ideas met with a polite “no.”

I also love that there is no “one thing” that wind band is: the identity is flexible. It can be a sinfonietta-size ensemble, with one or two people on each part; it can be orchestral winds; it can be a huge ensemble with 18 b-flat clarinets, 8 horns, 15 flutes… huge! The flexibility, the possibilities, these are inspiring and exciting things about writing for band.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

It’s funny, I remember when I wrote my first band piece (Anahita（https://www.youtube.com/watch?v=UmpoQW-Wtro）, 2005), I tried to do a lot of score study of other band pieces, to try to “unlock the code” of good writing for the ensemble. It wasn’t long before I got overwhelmed by all of the repertoire out there, and all of the options, and finally at one point I kind of threw my hands in the air and said FORGET IT, I’m just going to write whatever I want, and tried not to worry about the “correct” things that other composers had done. Because of this, I think there are some orchestrational moments in that piece that are very striking and characteristic, but I might not have done them if I had been trying to do things “correctly.”

So, I guess my answer to your question is that my rule about writing for wind band is one that I have shared with my own students on several occasions: Just write it like you’d write any music. It’s music! Just write music, not “band music,” and you’re more likely to be happy with what you’ve come up with, and more likely to create new and idiosyncratic sounds and ideas.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

This question makes me smile — there are actually several! I’m not sure where to start, but I can definitely think of a few formative pieces. The first one that comes to mind is more of an event than a specific piece. I was a young teenager when I saw Philip Glass and his Ensemble perform on the American sketch comedy show Saturday Night Live （https://www.facebook.com/share/v/1AX1s1UKWm/）– the musical guests on this show are always pop idols, like Billie Eilish, Taylor Swift, Bruno Mars, and so forth, so in retrospect it is crazy to think about “classical” music on the show! But I had never heard anything like it, and the next day I asked my mom to drive me to the mall so I could go to the record store so I could buy the album Songs from Liquid Days. That was kind of my gateway into classical contemporary music.

From there, one of the next pieces that I remember really giving me an “a-ha” moment was David Lang’s Cheating, Lying, Stealing（https://davidlangmusic.com/music/cheating-lying-stealing/）. Before this, there were pieces that I liked, but this one was among the first to really blow my mind a little bit. It was like, “WAIT — we’re allowed to do that??” It was actually the inspiration for one of the first pieces I wrote that I felt truly represented me as a composer.

On a wind band note, though, I remember when I discovered Stravinsky’s Symphonies of Wind Instruments（https://www.youtube.com/watch?v=72V_OTSiAkM） — the idea of several musical ideas occurring successively alongside one another, but not influencing each other or traditionally developing over the course of the piece just blew my mind. The idea that motivic development and saturation was the highest form of musical accomplishment (thanks, Mr. Beethoven) was so deeply ingrained in me that, as a student, it simply didn’t occur to me that there was any other possibility. This piece was an important step to me in realizing that there are many ways to peel an apple, so to speak!

5. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

I think I may have addressed this a little bit in my answer to the previous question, but I’d also like to mention the wonderful American composer Julia Wolfe, whose oratorio Anthracite Fields（https://juliawolfemusic.com/music/anthracite-fields/） won the Pulitzer Prize in 2015 — she’s another composer whose music is endlessly inspiring to me. I recently heard her piece Forbidden Love（https://www.youtube.com/watch?v=uAbXpdJsA6E）, which was written for a percussion quartet but uses the instruments of a string quartet, which is to say, each percussionist is assigned a string instrument and creates sounds from it the way a percussionist would, not a string player. It’s amazing! Her work is infused with curiosity, craft, drama, and genuine expressivity — truly inspiring, and very exciting.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

Well, if it’s not too forward for me to say here, let me start by saying that I would love to travel to Japan and work with the globally-renowned musicians there. I have never been to Japan, and it is a dream of mine to one day have the opportunity.

In terms of my composition, my future goals are to continue to write music for people who are enthusiastic to play it. I want to continue to write works for winds, maybe even a Symphony or other large-scale work, as well as add new chamber pieces to my repertoire, such as a new Pierrot sextet or string quartet. I have recently been wanting to write a dramatic vocal work, perhaps along the lines of an oratorio or an opera, but we’ll see what the future holds!

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

You’re very kind to say this. In my work as a teacher, I tell students who want to become composers that they don’t need permission or a special certification to be a composer — the biggest thing they need to do is compose! It sounds easy, when I say it like that, but of course, if it was that easy, everyone would do it. Being a composer requires patience, both with the process and with oneself, and persistence, and it also helps if you’re having fun, because it’s a lot of work, and work is more satisfying when you also enjoy the process.

I’d also invite young composers to listen to as much music as they can, and to omnivorously gather ideas from everything they listen to. Maybe you hear a piece that’s not your favorite, but you are inspired by the timbres the composer elicits, or maybe the orchestration in general. File that away in your brain! Maybe there’s a production technique in your favorite pop recording that thrills you every time you hear it — mentally bookmark it! Gather a collection of things that excite and intrigue you about music, and revisit those things when you’re looking for inspiration.

Finally, and most importantly, build a community around you of people who love to make things, and who love to collaborate. Other composers, yes, and conductors and performers as well, and also poets, painters, songwriters, artisans, actors, and so on. These are your people, with whom you’ll continue learning and growing, hopefully throughout your entire life.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

Wind Band Pressへの広告ご出稿はこちら

協賛