「新しい要素を吹奏楽の世界に取り入れることも重要だと考えています」作曲家インタビュー：クラース・コーレンビール（Klaas Coulembier） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

ベルギーの作曲家クラース・コーレンビール氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

コーレンビール氏は1984年生まれ。ルーヴェン大学で音楽学を学び、2012年に博士号を取得した後、2018年まで同大学で博士研究員を務めました。現在は「MATRIX [New Music Centre]」の広報担当として働く傍ら、フリーランスの音楽学者、作曲家、指揮者としても活動しています。

———-

1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私はベルギーの小さな町、イーペルで育ちました。そこには「イプリアナ（Ypriana）」という素晴らしい市民吹奏楽団がありました。私は12歳でトランペットを手にし、その楽団に入団しました。当初から、楽団で演奏する音楽にすっかり魅了され、さまざまな楽器の音色や、それらが組み合わさって生まれる美しい響きにいつも耳を傾けていました。

音楽学校では音楽理論を学び、ピアノで短い曲を書き始めたりもしました。アンサンブル曲をいくつか書いたり、金管アンサンブルや吹奏楽のための編曲を手がけたりもしましたが、当時は作曲家になろうという野心は持っていませんでした。あるいは単に、世の中にいる「本物の」作曲家のような素晴らしい音楽を自分には書けないと思い込んでいたのかもしれません。

転機が訪れたのは2007年、イーペルにある「メニン・ゲート（Menin Gate）」の80周年記念式典のために、吹奏楽と合唱のための新作を作曲する機会を得たことでした。メニン・ゲートは、遺体が発見されなかった5万4千人以上の兵士の名が刻まれた、ヨーロッパで最も重要な第一次世界大戦の記念碑の一つです。この作品は演奏時間30分に及ぶ大作となり、イプリアナ吹奏楽団によって初演されました。私自身が作曲家であると自覚する上で、これは重要な一歩となりました。

その後数年間は音楽学の博士課程に専念していたため、作曲活動はあまり行いませんでした。しかし2015年、第一次世界大戦の余波に思いを馳せるような、短めの作品を書いてほしいという依頼を受けました。『レジリエンス（Resilience）』と題されたこの曲は大変好評を博し、それをきっかけに新たな依頼が次々と舞い込むようになりました。例えば、フランダース・オープン吹奏楽コンクールのための『快楽の園（The Garden of Earthly Delights）』や、指揮者ディルク・デ・カルーウェ（Dirk De Caluwe）率いるロイヤル・ウィンド・バンド・シェレ（Royal Wind Band Schelle）のための『トラモンターナ（Tramontana）』などがその例です。それ以来、私の作品はベルギーやヨーロッパ各地で頻繁に演奏されるようになり、すでにいくつかの吹奏楽団から新作の依頼を受けています。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

何よりもまず、吹奏楽は私自身が親しんで育った音楽です。そのため、吹奏楽の響きや、異なる楽器群が一つに溶け合うそのあり方は、私にとって非常に自然なものとして感じられます。多彩な音色や、極めて繊細な弱音から圧倒的な強音に至るまでのダイナミクスの幅広さも、私が心から愛してやまない点です。

吹奏楽（あるいはブラスバンドやファンファーレ・バンド）の響きには、ある種、身体に直接訴えかけてくるような側面があり、それは時に、交響楽団の響き以上に私の心に深く響くものがあります。

また、特にヨーロッパにおいては、こうした音楽を演奏する楽団と地域社会との結びつきが非常に強いのも特徴です。吹奏楽団は、村や街と深く関わり合い、何世代にもわたる人々が集う長い伝統を築いていることが少なくありません。つまり、吹奏楽のために作曲するということは、共に演奏することに真の情熱を注ぐ人々によって、自分の音楽に命が吹き込まれるということなのです。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

私は作曲の授業を受けたことがないので、これまでに学んだことはすべて、スコアの研究や演奏の鑑賞、そして試行錯誤を通じて身につけたものです。

例えばオーケストレーションにおいて、特に体系的な手法をとっているわけではありませんが、新しい曲に取り掛かる際には決まった手順があります。

まずは小さな手帳にアイデアを書き留めることから始めます。曲にもよりますが、そこには音楽的なテクスチャーや全体の構成といった大まかな構想だけでなく、具体的な音楽的動機（モチーフ）やリズムなども含まれます。コンピュータに向かう前に、こうしたアイデアを可能な限り練り上げるようにしています。

私が特に好むのは、4つの音からなるモチーフのような非常に抽象的な要素から出発し、そこから一つの音楽的世界を創り上げることです。その世界の中で、抽象的なアイデアに命が吹き込まれ、聴き手の様々な感情に訴えかけるような音楽を目指しています。

常に心がけているのは、すべての要素をその曲の根幹となるアイデアと結びつけることです。例えば『快楽の園（The Garden of Earthly Delights）』という曲では、構成要素のほとんどが、ヒエロニムス・ボスの同名の絵画に見られるある旋律から導き出されています。

また、演奏する音楽家たちが私の曲を演奏することを楽しめるかどうかも、非常に重要だと考えています。ですから、どのパートも興味深いものにし、演奏者一人ひとりが全体の一部として貢献しているという実感を抱けるようにしています。例えば、伴奏としてただ長い音を弾くだけのパートを書くようなことは決してしません。演奏家の方々から「あなたの曲のリハーサルは本当に楽しい」と言っていただけることがよくありますが、それは私にとって最高の賛辞だと思っています。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

イーペルの「イプリアナ・ウィンド・バンド（Ypriana Wind Band）」のために書いた作品についてはすでに触れましたが、それらは私の作曲家としてのキャリアの出発点となったものです。

最近では、ブラスバンドのための意欲的な作品『Wisdom or Madness（英知か狂気か）』の作曲を大変楽しみながら手がけました。この曲は、有名な『不思議の国のアリス』の物語から着想を得たものです。私にとってブラスバンドのための初の本格的な作品でしたが、仕上がりはまさに思い描いていた通りになりました。

2026年のベルギー・ナショナル・コンテストやヨーロッパ・ブラスバンド選手権では素晴らしい演奏が披露され、多くの好意的な反響をいただきました。現在、この作品はDe Haske/Hal Leonard社から出版されています。

これは、かつて自費出版を行っていた「Ypress Digital Music Editions」（ちなみに、私の初期作品の多くは今でもこちらで入手可能です）から大きな一歩を踏み出したことを意味しています。

5-a. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

聴き手としては、ルネサンス期のポリフォニーから池田亮司のビートに至るまで、あらゆるジャンルの音楽を柔軟に受け入れています。

音楽学の博士論文では、アメリカの作曲家エリオット・カーターの音楽と、彼が用いた「メトリック・モジュレーション（拍節変調）」について徹底的に研究しました。彼の時間に対するアプローチには今も強く惹かれており、私自身の作品にも、リズミカルな遊び心や緻密に計算されたテンポの移行を取り入れています。それは音楽を複雑にするためではなく、メトリック・モジュレーションを用いることで、あるテンポから別のテンポへと極めて有機的な移行を生み出すことができるからです。

また、クラシック音楽のアヴァンギャルドな領域で作曲家たちが試みてきたことから学び、そうした新しい要素を吹奏楽の世界に取り入れることも重要だと考えています。私にとって作曲とは、単に演奏して楽しく、聴いて美しい曲を書くことだけではありません。新たな可能性を探求し、演奏家や聴衆に新しい響きを提示し、様々な形で人々に新たな挑戦を促すことでもあるのです。だからといって、音楽が複雑でなければならないわけではありません。比較的シンプルな音楽であっても、新しい響きを探求することは可能です。

クラシックやアヴァンギャルドに加え、私は以前からヘヴィメタル、特にプログレッシブ・ロックを好んで聴いてきました。そうした音楽に見られる、独創的なリフや力強いグルーヴ、そして数々のリズミカルな驚きに満ちた展開が大好きです。私のスコアを注意深く見ていただければ、ヘヴィメタル・バンドのために書かれたかのような瞬間がきっと見つかるはずです！

5-b. 上記とは別に、現代の作曲家で特に注目している作曲家がいれば理由と合わせて教えてください。

今日、あらゆるジャンルに素晴らしい作曲家が数多く存在します。私は、現代の吹奏楽のレパートリーに見られる多様性がとても気に入っています。ヤン・ヴァンデルローストやオリヴァー・ヴァースピといった実績ある作曲家たちは、自身の音楽的スタイルを大切にしながら、素晴らしい新作を次々と生み出しています。

それと同時に、若い世代もまた、新たな響きを模索しています。例えば、フランス印象派の音楽を21世紀の感性で表現しているようなピエール＝アントワーヌ・サヴォヤ（Pierre-Antoine Savoyat）の音楽は、とても魅力的です。私は特に、独創的な音色を追求しつつ、同時にしっかりとした構成力も備えた音楽に惹かれます。そうした要素は、例えばトシュタイン・オーゴール＝ニルセン（Torstein Aagaard Nilsen）やルドヴィク・ノイロール（Ludovic Neurohr）の作品に見出すことができますが、他にも素晴らしい作曲家は数多く存在します。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

7月、私はオランダのケルクラーデで開催された「ワールド・ミュージック・コンテスト」に参加し、そこで私の最新作のいくつかが演奏されました（ちなみに、大阪の「イモータル・ブラス」という日本のブラスバンドの演奏も聴くことができました）。このイベントは、より多くの人々に私の音楽を届け、知ってもらうための素晴らしい機会となりました。これを機に、世界中のさらに多くの指揮者が私の音楽を見出し、自身のバンドで演奏しようと考えてくれることを願っています。もちろん、今後もウィンドバンド、ファンファーレ・バンド、そしてブラスバンドのために、数多くの新作を書いていきたいと思っています。これまでの私の作品は難易度の高いもの（グレード5や6）が中心でしたが、今後は自分自身の音楽的なスタイルを保ちつつ、より演奏しやすい作品を書く可能性も探ってみたいと考えています。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。日本の若い作曲家や作曲家を目指す日本の学生たちにアドバイスをお願いします。

作曲家になることは、決して私の究極の目標ではありませんでした。「50歳になるまでに交響曲を書きたい」といった具体的な目標を立てたこともありません。私は常に、情熱を注げるもの――音楽家として、音楽学者として、夫や父親として、そしてもちろん今では作曲家として――に全力を尽くしてきました。自分の情熱に従い、自分自身の「声」に忠実であり続けることが大切だと思います。もちろん、音楽を学び、楽器について理解し、既存の作品の響きに深く触れることは必要です。しかし、いざ新しい作品を創り出すとなれば、それらすべてを一旦忘れ、白紙の状態から始めるべきだと私は考えます。頭の中で聴きたいと願う響きを思い描き、それから、これまでに学び経験したすべてを駆使して、その想像を独自の楽譜へと形にしていくのです。

———-

インタビューは以上です。コーレンビールさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてコーレンビールさんの作品に触れていただきたいと思います。

さらに多くのことを知りたい場合はコーレンビールさんの公式サイトへどうぞ。
https://www.klaascoulembier.be/

コーレンビールさんの作品はWBP Plus!でもお取り扱いしています。
https://shop.windbandpress.net/collections/klaas-coulembier

———-
取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
———-

Interview with Klaas Coulembier, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I grew up in Ypres, a small town in Belgium but with a very good community wind band called Ypriana. I played the trumpet and joined the band when I was 12 years old. From the outset, I was really fascinated by the music we played in the band and was always listening to the different instruments and how they produced such a beautiful sound when combined. In music school I also took music theory classes and started to write small pieces at the piano. I wrote a number of ensemble pieces and made some arrangements for brass ensemble and wind band, but at that time I didn’t have the ambition to become a composer. Or perhaps I just thought I could never write such nice music as the “real” composers out there. Then, in 2007, I got the opportunity to compose a new work for wind band and full choir for the 80th anniversary of the Menin Gate in Ypres. The Menin Gate is one of the most important First World War memorials in Europe, bearing the names of more than 54000 soldiers whose bodies were never found. This composition turned out to be a large work of 30 minutes, performed by the Ypriana Wind Band, and was an important step in considering myself to be a composer. After this, I didn’t compose that much for a few years because I was doing a PhD in musicology. In 2015, I was commissioned to write a shorter work to reflect on the aftermath of the First World War. This piece, entitled Resilience, was very well-received and resulted in a number of new commissions such as The Garden of Earthly Delights for the Flemish Open Wind Band Championship or Tramontana for the Royal Wind Band Schelle and conductor Dirk De Caluwe. Since then, my music has been performed more and more in Belgium and across Europe, and several wind bands have already asked me to write new pieces for them.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

First of all, wind band music is the music I grew up with. So the sound of a wind band and the way in which different instrument groups merge together feels very natural to me. I really love the many colours you can have and the incredible differences in dynamics, from very soft to overwhelmingly loud. There is a very physical aspect to the sound of a wind band (or a brass band or fanfare band for that matter) that in some way touches me more than the sound of a symphony orchestra. Also, especially in Europe, the orchestras that play this music are very close to the community. Wind bands are often strongly connected to the village or the city and have long traditions with many generations coming together. Composing for wind band means that your music will be brought to life by people with a true passion for playing together.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

I never took composition classes, so everything I have learned along the way comes from studying scores, listening to performances, and experimenting. I don’t think I have a very systematic approach to orchestration, for instance, but I do have a specific way of starting work on a new composition. I always begin with collecting ideas in a little booklet. Depending on the piece these can be very general ideas about musical textures or the overall structure of the piece, but also specific musical motives, rhythms, etc. I try to develop these ideas as much as possible before turning to the computer. What I really like is starting from very abstract elements, such as a four-note motif, and then creating a musical universe in which this abstract idea comes to life and touches all different kinds of emotions. I am always trying to make sure everything is connected to the basic idea of a piece. In The Garden of Earthly Delights, for example, almost every element in the composition is derived from a melody which can be found in the painting by Jeroen Bosch which inspired the piece. What I also consider very important is the fact that every musician has to enjoy performing my music. So I make sure that every single part is interesting and that every musician can have the feeling of contributing to the greater whole. I would never write a part that only has long notes as accompaniment, for example. Musicians very often come to me to say that they really enjoy rehearsing my music, which I think is a great compliment.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

I already mentioned the compositions I wrote for the Ypriana Wind Band in Ypres because they started my career. More recently, I really enjoyed composing a challenging composition for Brass Band, called Wisdom or Madness. The inspiration for this piece came from the famous story of Alice in Wonderland. This was my first major work for Brass Band and it turned out exactly as I had hoped. It was brilliantly performed at the Belgian Nationals and the European Brass Band Championships in 2026 and I received a lot of positive comments. The piece is now published by De Haske/Hal Leonard, which is a big step forward after self-publishing through Ypress Digital Music Editions, where a lot of my earlier pieces can still be found by the way.

5-a. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

As a listener, I am really open to any kind of music, from renaissance polyphony to the beats of Ryoji Ikeda. For my doctoral dissertation in musicology, I very intensely studied the music of the American classical composer Elliott Carter and his use of metric modulations. His approach to temporality continues to fascinate me and I like to incorporate rhythmic games and well-calculated tempo transitions in my pieces. Not to make the music complicated, but because these metric modulations enable me to create very organic transitions from one tempo to another. Also, I think it is important to learn from what composers have been doing in the avant-garde of classical music and to incorporate such novelties in the universe of wind band music. For me, it’s not only about writing beautiful pieces that are fun to play and listen to. It’s also about discovering new possibilities, about introducing musicians and audiences to new sounds, to challenge people in different ways. This does not mean that the music has to be complex. It’s also possible to explore new sounds with easier music. In addition to classical music and avant-garde, I have always been listening to heavy metal, and progressive rock in particular. I really like the power of an original riff, a strong groove, or the many rhythmical surprises in this kind of music. If you study my scores closely, you will certainly find moments which could have been written for a heavy metal band!

5-b. Apart from the above, would you tell me about any contemporary composers that you are particularly interested in, along with the reasons why?

There are so many great composers today, in all possible genres. I really like the diversity in the repertoire for wind band today. Established composers like Jan Van der Roost or Oliver Waespi keep writing these amazing new works while staying true to their own language. At the same time, a younger generation is searching for new sounds as well. I really like the music of Pierre-Antoine Savoyat, for example, who in a way brings French Impressionism to the 21st century. I am especially drawn to music that explores original colours and that at the same time has a solid structure. I find that in the works of Torstein Aagaard Nilsen or Ludovic Neurohr, for example, but there are many more examples of excellent composers today.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

In July, I was at the World Music Contest in Kerkrade (NL), where several of my newest pieces were performed (and where I heard the Japanese brass band Immortal Brass from Osaka, by the way). This event was an excellent opportunity to reach more people and to get my music better known. I hope many more conductors around the world will now discover my music and decide to play it with their bands. And of course I want to write many more new pieces for wind band, fanfare band and brass band. Until now, most of my compositions are rather challenging (grade 5 or 6), but I would love to explore the possibility of writing easier pieces while still adhering to my own musical language.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. What advice would you give to young Japanese composers and Japanese students who want to become composers?

Being a composer was never my ultimate ambition. I have never set myself specific goals such as “I want to write a symphony before I turn 50” or anything like that. I have always devoted all my energy to the things I felt passionate about: as a musician, as a musicologist, as a husband and father, and of course now as a composer as well. I think it is important to follow your passion and to stay true to your own voice. Of course, you have to study music, you have to learn about the instruments, and you have to immerse yourself in the sounds of existing compositions. But when it comes to creating a new composition, I think you have to forget everything and start from a blank sheet. Imagine the sounds you want to hear in your head, and then use everything you have learned or experienced to translate your imagination into an original musical score.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

Wind Band Pressへの広告ご出稿はこちら

協賛