「自分の『居心地の良い場所（コンフォートゾーン）』から一歩踏み出し、異なる時代やジャンル、表現形式の中にインスピレーションを求めるべきです」作曲家インタビュー：ヌーノ・オソリオ氏（Nuno Osório） - 吹奏楽・管楽器・打楽器・クラシック音楽のWebメディア Wind Band Press

[English is below Japanese]

ポルトガルの作曲家ヌーノ・オソリオ氏に、設問に答えて頂く形でインタビュー取材を行いました。

特に作曲家の方には学びのあるインタビューになったかと思いますので、ぜひ参考にしてみてください。

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1. まず簡単にあなたの生い立ち、どこでどのように育ったのか、作曲家としての活動を始めたきっかけは何だったのか、などについて教えて頂けますでしょうか？

私はポルトガルのラメーゴ地方にある小さな村、マゲイジャで生まれ育ちました。私の音楽の旅は、地元のフィルハーモニック・バンド（吹奏楽団）から始まりました。10歳で音楽を学び始め、最初は打楽器を、後にピアノを演奏するようになりました。

このバンドでの活動は、私に大きな影響を与えました。そこは、私が初めて「他者と共に音楽を奏でる喜び」を知った場所でもあります。私は、互いの音に耳を傾けることや協力すること、そして集団で何かを創り上げる際には、すべての音楽家が重要な役割を担っているのだということを学びました。

私が作曲に関心を持つようになったのは、徐々にのことでした。音楽に深く関わるにつれて、音楽的なアイデアがどのように生まれるのか、そして自分自身のアイデアをどのように音で表現できるのかを考えるようになりました。やがて、他人の曲を演奏するだけでなく、自分自身の音楽を創り出したいと思うようになったのです。

こうした経緯を経て、私はポルトにあるESMAE（音楽・芸術・パフォーマンス学部）で作曲を学ぶことになりました。現在は、ポルトガル国家共和警備隊（GNR）の音楽隊で作曲家兼演奏家として活動する傍ら、モンサオン・フィルハーモニー・バンド（Banda Musical de Moncao）の指揮者も務めています。また、様々なアンサンブルと連携し、ワークショップや教育プロジェクトにも携わっています。

今振り返ってみると、マゲイジャやフィルハーモニー・バンドでの初期の経験は、今日の私の音楽に対する考え方や創作活動に、今なお大きな影響を与えていると感じます。

2. あなたは多くの吹奏楽作品を発表しています。吹奏楽にどのような魅力を感じているかについて教えて頂けますか？

私が吹奏楽というジャンルに最も惹かれるのは、この編成が持つ音色やテクスチュア（音の質感）、そして表現の可能性の豊かさです。木管楽器、金管楽器、打楽器の組み合わせは、極めて豊かで多様な音のパレットを生み出します。私は特に、各セクション間の関係性を探求すること、そしてそれらが互いに補完し合い、対比し、あるいは変容し合うそのあり方に大きな魅力を感じています。

また、吹奏楽が持つダイナミクスや表現の幅広さにも強く惹かれます。驚くほど繊細で透明感があり、親密ささえ感じさせる響きを奏でる一方で、力強く壮大なサウンドを生み出すこともできるのです。こうした対比があるからこそ、音楽的なアイデアを形にしたり、構成やテクスチュア、表現について考えたりする際に、大きな自由度が得られます。

しかし、純粋に音楽的な可能性以上に、私にとって特に重要なのは「人間的な側面」です。音楽家、作曲家、指揮者としての経験を通じて、私は「楽譜はあくまで音楽的プロセスの出発点に過ぎない」ということを強く実感してきました。演奏家や指揮者がそれぞれの経験、エネルギー、感性を音楽に注ぎ込むことで、楽譜に記されたものは、より生命力に満ちたものへと変容していくのです。

私にとって、豊かな音色、表現の自由、そして音楽を共に創り上げるという体験。これらすべてが組み合わさっていることこそが、吹奏楽のための作曲をこれほどまでに魅力的で、絶えずインスピレーションを与えてくれるものにしているのです。

3. 吹奏楽曲を作曲する際、特に注意していることや心がけていること、あるいはあなた独自のルールはありますか？

吹奏楽のための作曲を行う際、私は常に「音楽的なアイデア」を最優先するように心がけています。私にとって、楽器編成やアンサンブルの技術的な可能性は、あくまで音楽に奉仕するものであるべきだと考えているからです。

もちろん、楽器の特性やセクション間のバランス、奏者の呼吸、そして演奏する上で自然かつ楽器の特質にかなった（イディオマティックな）表現であるかといった点は常に考慮に入れています。しかし、そうした要素によって最初から音楽的なアイデアが制約されてしまうことは避けたいと考えています。まずは音楽として何を表現したいのかを明確にし、そのアイデアを最も効果的に実現するための楽器編成や技術的な手法を探るようにしているのです。

また、技術的な難易度には常に音楽的な目的があるべきだと信じています。単に演奏技術の高さを誇示するためだけの難しい曲を書くことには興味がありません。もし高度な技術が求められるのであれば、それはその曲の表現や性格、あるいは展開に寄与するものであるべきです。

ですから、私には決まりきったルールというものは特にありません。私が従おうとしている原則は極めてシンプルで、「常に音楽が第一である」ということです。技術や楽器編成、そして実際の書き方はすべて、その音楽的なアイデアを可能にし、表現力豊かなものにするための最善の方法を追求するものであるべきなのです。

4. 作曲家として人生のターニングポイントとなった自身の作品があれば、その作品についてのエピソードを教えて下さい。（これは吹奏楽作品でなくても構いません）

興味深いことに、作曲家としての私の人生において転機となった作品は、吹奏楽のためではなく、交響楽団のために書かれたものでした。『デジャヴ（Deja-vu）』と題されたこの曲は、ポルトのカーザ・ダ・ムジカ管弦楽団（Casa da Musica Orchestra）およびポルト音楽・芸術・パフォーマンス・スクール（ESMAE）の交響楽団によって演奏されました。

『デジャヴ』は、私に新たな可能性を切り開いてくれたという点で、作曲家としての成長において極めて重要な作品となりました。大規模なオーケストラ編成のための作曲は、それまで深く探求する機会のなかった課題を私に突きつけました。作曲の過程で、私は新しい技法を開発・探求すると同時に、音色、テクスチュア（音の質感）、時間、構造といった要素に対する自身の考えを問い直すことにもなりました。

また、この作品は私を「コンフォートゾーン（慣れ親しんだ領域）」から一歩踏み出させてくれたという意味でも、重要な経験でした。作曲家は往々にして、馴染みのあるアイデアや手法に頼りがちですが、ある特定の作品がきっかけとなって、異なる解決策を模索したり、新たな可能性を発見したりすることがあります。『デジャヴ』は、まさに私にとってそのような体験をもたらす作品でした。

オーケストラによる実際の演奏を耳にできたことも、同様に大きな意味がありました。頭の中で曲を構想し、スコアに書き起こすことと、プロの演奏家によってその曲に命が吹き込まれるのを実際に聴くことの間には、大きな隔たりがあります。その経験を通じて、何がうまくいき、何にさらなる発展の余地があり、そして何よりも、今後どのような方向性を探求すべきかを、より明確に理解することができました。

これら二つの楽団による演奏は、私のキャリア形成にも重要な影響を及ぼしました。私の音楽が新たな文脈で聴かれるようになり、作品の認知度が高まったことで、作曲家としての活動の幅が広がり、新たな機会が開かれたのです。

こうした理由から、私は『デジャヴ』を自身の歩みにおける真の転機だと捉えています。それは単に作品そのものの重要性ゆえではなく、何よりも、この曲を通じて芸術的な発見があり、作曲家としての新たな扉が開かれたからに他なりません。

5. ご自身の作曲または編曲に強く影響を受けた他の作曲家や編曲家の作品があれば、それについてどのような影響を受けたのか教えて下さい。（クラシックでなくても構いません）

私が深く敬愛し、それぞれ異なる形で自身の音楽観に影響を与え続けている作曲家や作品がいくつかあります。中でも特に挙げたいのが、ヘンリク・グレツキ、カイヤ・サーリアホ、そしてイーゴリ・ストラヴィンスキーです。もっとも、彼らそれぞれに惹かれる理由は大きく異なります。

グレツキの交響曲第3番には特に感銘を受けました。比較的シンプルで無駄のない音楽的語法を用いながら、圧倒的な感情の強さを生み出している点に惹かれます。反復や時間、そして音楽的素材が徐々に変容していくその関係性には、極めて強い力を感じます。

カイヤ・サーリアホの作品では、『オリオン』を挙げたいと思います。彼女が音色やテクスチュア、音の変容を扱い、色彩をあたかも音楽そのものの構造的な要素であるかのように捉えている点に魅了されます。彼女のアプローチは、音の伝統的な役割を超えた、その表現の可能性について深く考えるきっかけとなりました。

ストラヴィンスキー、とりわけ『春の祭典』には、並外れたエネルギーとリズムの力強さを感じます。リズム、アクセント、楽器法、そして構造が互いに作用し合うそのあり方は、私にとって今もなお、極めて重要な指針となっています。

これらは全く異なる音楽の世界ですが、おそらく、その多様性こそが私を最も惹きつけているのでしょう。私は特定の音楽語法や流派を追随しようとは考えていません。音に対する多様な思考や構成のあり方から学び、それらを糧にしながら、作曲家として自分自身の道を切り開いていきたいと考えています。

6. 将来の目標（またはこれから新たに取り組みたいこと）について教えてください。

今後は、多様な音楽表現の形を模索し続け、作曲家としての独自のスタイルを確立していきたいと考えています。特定の編成や音楽ジャンルに自分を限定するつもりはありません。むしろ、異なる文脈で活動し、それぞれの環境が私の??音楽にどのような要素をもたらしてくれるのかを発見することに関心があります。

吹奏楽、交響楽団、そして様々な室内楽アンサンブルのための作品を書き続けたいと考えていますが、音楽と映像の関係性をさらに探求することにも興味を持っています。これまでに映画や短編映画のオリジナル・サウンドトラックを手がけた経験があり、この分野をさらに発展させていきたいと思っています。音楽、物語、そして映像の相互関係は、コンサート音楽とは全く異なる創造の可能性を秘めているからです。

現在、私にとって特に刺激的な新しいプロジェクトにも取り組んでいます。EDM（エレクトロニック・ダンス・ミュージック）のジャンルにおけるエレクトロニック・ミュージック・アルバムを制作中で、まもなくデジタルプラットフォームでリリースされる予定です。アルバムの全編がシンセサイザーを用いて作曲・構築されています。シンセサイザーの世界には以前から魅了されてきました。その音色の可能性や、音を創造・変容させる際の自由度の高さに惹かれているのです。このプロジェクトは、私自身の創造性のそうした側面を、より直接的な形で探求する機会となっています。

究極的には、常に新しい道を切り開き続けることが私の最大の目標です。それぞれの新しいプロジェクトを、学び、実験し、音楽に対する自分自身の考えに挑戦する機会にしたいと考えています。

7. あなたの作品は、世界中の多くの国で演奏され、評価されていることと思います。世界中の若い作曲家や作曲家を目指す学生たちにアドバイスをお願いします。

若い作曲家にとって最も重要なのは、好奇心を持ち続け、学びを止めないことだと思います。勉強し、確かな技術を身につけ、曲を書く対象となる楽器について知ることは大切ですが、それらはあくまで音楽的なアイデアに命を吹き込むための手段であり、それ自体が目的であってはならないと私は考えます。

また、多種多様な音楽を数多く聴くことも不可欠です。尊敬する作曲家の作品を知ることはもちろん大切ですが、それだけでなく、自分の「居心地の良い場所（コンフォートゾーン）」から一歩踏み出し、異なる時代やジャンル、表現形式の中にインスピレーションを求めるべきです。時には、今取り組んでいるものとは全く無関係に思えるところから、アイデアが生まれることもあります。

若い作曲家には、実験することを恐れないでほしいとも伝えたいです。すべてのアイデアがうまくいくわけではありませんが、それもプロセスの一部です。作曲とは、試行錯誤や発見を通じて学んでいくことでもあります。

何よりも大切なのは、自分自身の「声」を探求することだと思います。尊敬する作曲家から影響を受けるのは自然なことですが、彼らのように書くことが目標であってはなりません。何にインスピレーションを受けるのかを理解し、その経験を吸収しながら、少しずつ、自分なりの音楽への考え方や作り方を見つけていくべきなのです。

最後に、情熱と忍耐が不可欠だと言いたいと思います。作曲家としてのキャリアを築くには時間がかかります。曲を書き、音楽を聴き、学び、演奏家と協力し、新しい経験に対して心を開き続けること――私にとって、これこそが成長するための最良の方法の一つです。結局のところ、作曲家であるということは、絶えず「発見」のプロセスに関わり続けることなのです。

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インタビューは以上です。オソリオさん、ありがとうございました！

ぜひ多くの方にインターネット上の音源や、演奏会を通じてオソリオさんの作品に触れていただきたいと思います。

さらに多くのことを知りたい場合はオソリオさんの公式サイトへどうぞ。
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取材・文：梅本周平（Wind Band Press）
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Interview with Nuno Osório, composer

1. First of all, would you tell me about your background, where and how you grew up, what made you started as a composer?

I was born and grew up in Magueija, a small village in the Lamego region of Portugal. My musical journey started there, at the local Philharmonic Band, where I began studying music at the age of ten, first percussion and later piano.

Being part of the Philharmonic Band had a very strong influence on me. It was where I first discovered the pleasure of making music with other people. I learned to listen, to work together, and to understand that every musician has an important role in creating something as a group.

My interest in composition came gradually. As I became more involved with music, I started to wonder how musical ideas are created and how I could express my own ideas through sound. At some point, I felt that I wanted to do more than just perform other people’s music – I wanted to create my own.

This eventually led me to study Composition at the School of Music, Arts and Performance of Porto – ESMAE. Today, I work as a composer and musician with the Music Band of the Portuguese National Republican Guard, and I am also the conductor of Banda Musical de Moncao. I also work with different ensembles in workshops and educational projects.

Looking back, I think those early experiences in Magueija and in the Philharmonic Band still have a strong influence on the way I think about and make music today.

2. You have published many wind band works. Would you tell me about what fascinates you about wind band music?

What fascinates me most about wind band music is the extraordinary range of colours, textures and expressive possibilities that this ensemble can offer. The combination of woodwinds, brass and percussion creates a very rich and diverse palette, and I particularly enjoy exploring the relationships between the different sections and the ways in which they can complement, contrast or transform one another.

I am also fascinated by the enormous dynamic and expressive range of a wind band. It can be incredibly delicate and transparent, almost intimate, and at the same time produce a powerful and expansive sound. This contrast gives me a great deal of freedom when shaping a musical idea and thinking about form, texture and expression.

But beyond the purely musical possibilities, there is a human dimension that is especially important to me. My experience as a musician, composer and conductor has made me very aware that a score is only the beginning of the musical process. The musicians and the conductor bring their own experience, energy and sensitivity to the music, and that interaction can transform what was written on the page into something much more alive.

For me, it is this combination of rich colours, expressive freedom and the collective experience of making music that makes writing for wind band so fascinating and continually inspiring.

3. When composing a wind band piece, is there anything you pay special attention to, keep in mind, or have any rules of your own?

When composing for wind band, I try to make sure that the musical idea always comes first. For me, the instrumentation and the technical possibilities of the ensemble should serve the music, rather than the other way around.

Of course, I always take into account the characteristics of the instruments, the balance between the different sections, breathing, and what feels natural and idiomatic for the musicians. However, I try not to let these considerations determine the musical idea from the outset. I first need to understand what I want to express musically, and then I look for the instrumentation and technical solutions that best serve that idea.

I also believe that technical difficulty should always have a musical purpose. I am not interested in writing something difficult simply to demonstrate virtuosity. If a particular technical demand is present, it should contribute to the expression, character or development of the piece.

So, I do not really have a fixed set of rules. The principle I try to follow is quite simple: the music always comes first. Technique, instrumentation and writing should find the best way to make the musical idea possible and expressive.

4. If you have a piece of your own work that was a turning point in your life as a composer, would you tell me the episode about that work? (This does not have to be a wind band piece)

Interestingly, the work that represented a turning point in my life as a composer was not written for wind band, but for symphony orchestra. The piece is called Deja-vu and was performed by the Casa da Musica Orchestra in Porto and by the Symphony Orchestra of the School of Music, Arts and Performance of Porto – ESMAE.

Deja-vu was a very important work in my development as a composer, particularly because it opened up new horizons for me. Writing for a large symphonic ensemble presented me with challenges that, until then, I had not had the opportunity to explore in such depth. The compositional process allowed me to develop and explore techniques that were new to me, while also encouraging me to question some of my own ideas about timbre, texture, time and structure.

It was also an important experience because it pushed me beyond my comfort zone. As composers, we often develop ideas and processes that are familiar to us, but a particular piece can challenge us to look for different solutions and discover new possibilities. Deja-vu was precisely that kind of experience for me.

Hearing the piece performed by an orchestra was equally meaningful. There is a significant difference between imagining a piece, writing it in a score, and finally hearing it come to life through professional musicians. That experience allowed me to understand more clearly what worked, what could be further developed, and, above all, what directions I might explore in the future.

The performances by these two ensembles also had an important impact on my professional development. They allowed my music to reach new contexts and contributed to greater recognition of my work, opening up new opportunities within the field of composition.

For these reasons, I consider Deja-vu a real turning point in my journey – not only because of the piece itself, but above all because of what it allowed me to discover artistically and the doors it opened for me as a composer.

5. If there are works by other composers or arrangers that have strongly influenced your composition or arrangement, would you tell me about them and how they have influenced you? (It does not have to be classical music)

There are several works and composers that I deeply admire and that, in different ways, continue to influence the way I think about music. Among them, I would highlight Henryk Gorecki, Kaija Saariaho and Igor Stravinsky, although I am drawn to each of them for very different reasons.

Gorecki’s Symphony No. 3 particularly impressed me with its ability to create an enormous emotional intensity through a relatively simple and economical musical language. The relationship between repetition, time and the gradual transformation of musical material is something I find extremely powerful.

From Kaija Saariaho, I would highlight Orion. I am fascinated by the way she works with timbre, texture and the transformation of sound, treating colour almost as a structural element of the music itself. Her approach has made me think deeply about the expressive possibilities of sound beyond its more traditional functions.

With Stravinsky, and particularly in Le Sacre du printemps, I find an extraordinary energy and rhythmic force. The way rhythm, accentuation, instrumentation and structure interact continues to be a very important reference for me.

These are three very different musical worlds, but perhaps that diversity is precisely what interests me most. I do not seek to follow a single musical language or a particular school. I enjoy learning from different ways of thinking about and organising sound and, through these references, finding my own path as a composer.

6. Would you tell me about your future goals (or what you would like to work on in the future)?

In the future, I would mainly like to continue exploring different forms of musical expression and developing my own voice as a composer. I do not feel the need to limit myself to a particular ensemble or musical genre; on the contrary, I am interested in working in different contexts and discovering what each of them can bring to my music.

I would like to continue writing for wind band, symphony orchestra and different chamber ensembles, but I am also interested in further exploring the relationship between music and image. I have already had some experience working in film and short films, composing original soundtracks, and this is an area I would like to develop further. The relationship between music, narrative and image offers very different creative possibilities from those found in concert music.

At the moment, I am also involved in a new project that particularly excites me: I am preparing an electronic music album, within the EDM field, which will soon be released on digital platforms. The entire album is composed and recreated using synthesizers. The world of synthesizers has always fascinated me, both because of their timbral possibilities and the freedom they offer in creating and transforming sound. This project is giving me the opportunity to explore that side of my creativity in a more direct way.

Ultimately, my main goal is to continue discovering new paths. I want each new project to be an opportunity to learn, experiment and challenge my own ideas about music.

7. Your works are performed and appreciated in many countries around the world. Please offer some advice to young composers and students aspiring to become composers around the world.

I think the most important thing for a young composer is to remain curious and never stop learning. It is important to study, develop a strong understanding of technique, and know the instruments we write for, but I believe these should always be means of bringing a musical idea to life, rather than ends in themselves.

I also think it is essential to listen to a great deal of music, and to very different kinds of music. We should get to know the composers we admire, but also step outside our comfort zone and look for inspiration in different periods, genres and forms of expression. Sometimes, an idea can come from somewhere that seems completely unrelated to what we are working on.

I would also encourage young composers not to be afraid of experimenting. Not every idea will work, and that is part of the process. Composing is also about learning through trial, error and discovery.

Above all, I think it is important to search for your own voice. It is natural to be influenced by the composers we admire, but the goal should not be to write like them. We should understand what inspires us, absorb those experiences and, little by little, discover our own way of thinking about and making music.

Finally, I would say that passion and patience are essential. Building a career as a composer takes time. Continuing to write, listen, learn, collaborate with musicians and remain open to new experiences is, for me, one of the best ways to grow. Ultimately, being a composer means being constantly engaged in a process of discovery.

Interview and text by Shuhei Umemoto (Wind Band Press)

For more information, please visit Nuno Osório’s official website:
https://nunosorio.com/

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